Nach dem Umbau des Opernhauses behält das Bernhardtheater seinen Standort.

Anfang 2024 teilte das Opernhaus mit, dass es seinen Erweiterungsbau abreissen und durch einen Neubau ersetzen will. Seit dieser Ankündigung musste das Zürcher Bernhardtheater um seinen Standort zittern. Seit über 40 Jahren bespielt das Theater die Bühne im Erweiterungsbau.

Jetzt ist auch die Zukunft gesichert. Das Bernhardtheater darf nach dem Umbau weiter neben dem Opernhaus am Sechseläutenplatz bleiben, wie das «SRF-Regionaljournal» berichtet.

Die Erleichterung sei gross, sagt Bernhardtheater-Chefin Hanna Scheuring gegenüber SRF: «Ein Standortwechsel wäre schwierig gewesen. Weil das Bernhardtheater keine Subventionen erhält, ist es für uns wichtig, dass wir einen zentralen Platz mitten in der Stadt haben», sagt die Schauspielerin. Ausserdem sei die Boulevardbühne vom Opernhaus abhängig. «Wir sind auf die Synergien mit dem Opernhaus angewiesen – ohne könnten wir gar nicht überleben», sagt Scheuring.

Das Zürcher Theater Spektakel verliert einen grossen Teil des Charmes: der Basar, der Markt der kleinen, schrägen, bunten Stände und Künstler*innen, findet nicht mehr statt.

Ich sass vor dreissig Jahren nachmittags mit meinem bedruckten weissblauen Tuch am Rande des Theater Spektakels, vor mir die Tarot-Karten, neben mir irgendwelche Akrobat*innen und Jongleure, jemand, der Kindern Tiermasken schminkte oder Ballone knüpfte, ein oder zwei Leute, die Silberschmuck aus Indien oder der Türkei verkauften. Alle wild durcheinander, alle lachend miteinander.

Und: Überall Familien mit Kindern, grossäugigen Kindern, die einem Magier zuschauten, wie er Papierblumen aus dem Mund zog. Oder einem muskulösen Mann mit freiem Oberkörper, der abwechslungsweise Schwerter schluckte und Feuer spuckte. Teenager, die sich die Haare flechten liessen. Die sich ihr erstes Schmuckbändchen oder Anhängerchen für den Schatz kauften, oder einen Ring mit diesem grünen Stein. Handgeknüpfte Freundschaftsbändchen in der Reggae-Trikolore. Das war das Spektakel. Das hat viele Familien näher zur Kultur gebracht. Ich selbst kam über das Theater Spektakel überhaupt erst mit den Darstellenden Künsten in Berührung, wie viele folgende Generationen auch.

Natürlich hat sich das Theater Spektakel seither verändert, ist professioneller geworden, was auch gut ist. Für die Szene und für die Darstellenden Künste. Bisher konnte es sich aber wenigstens einen Rest des Spektakel-Flairs erhalten. Das ist jetzt vorbei.

Das Team Theater Spektakel hat den Basar abgeschafft. Kein wilder Jahrmarkt mehr, keine Wahrsager, keine aus Indien importierten Bauchtaschen und Patschuli-Gestank. Was wurde aus den Luftballonkünstlern, die früher am Uferweg standen? «Die fanden wir weder künstlerisch besonders interessant noch ökologisch besonders sinnvoll», sagt Matthias von Hartz vom Spektakel-Team im Tagesanzeiger. Er könne verstehen, dass Kinder sie vermissten, doch für die Kleinen biete man dieses Jahr im Gegenzug noch mehr Programm.

Spektakel ist fertig. Jetzt gibt es „Programme und Angebote“ für Kinder. Als ob man Kinder programmieren müsste. Das Spektakel im Theater Spektakel war und ist nicht den professionell inszenierten Aufführungen geschuldet, sondern dem chaotischen, anarchischen Markt und dem echten Leben rund ums Areal.

Die freien Strassenkünstler*innen werden inzwischen klar reglementiert, mit eng abgesteckten Bereichen, wo sie „wild“ sein dürfen. Natürlich ist auch die Zeit begrenzt.

Warum hat man den lebendigen und bunten Markt aus dem Anlass entfernt? Es gehe bei Entscheidungen, die das Leitungsteam treffe, darum, den grossen Kontext im Auge zu behalten, verteidigt sich von Hartz. Und es gehe um die Frage: «Wie entwickeln wir das Theater Spektakel zukünftig weiter?» Am Spektakel etwas grundsätzlich zu verändern, «sei aber nicht die Intention».

Das ist misslungen. Das Spektakel ist weg. Was bleibt ist ein bis ins letzte Detail sauber und geleckt kuratierter und organisierter Theaterevent, mit teurer Gastronomie und für ein gesetztes Publikum aus älteren Gymnasial-Lehrer*innen und pensionierten Grafikern. Der Geist des Spektakels, geboren aus dem anarchischen Chaos der 80er-Jahre, hat sich mit dem Verschwinden des Basars aus dem Event verabschiedet.

Es gibt noch eine Tarot-Kartenlegerin. Sie hat bei einer der Gastro-Hütten Unterschlupf gefunden und darf sich abends da installieren. Und es gibt auch noch Kinderschminken. Aus dem Basar herausgelöst. Als Angebot im „Programm“.

Wieso erinnert mich das an den Tag, an dem ich das erste Mal Che-Guevarra-Tshirts im H&M gesehen hab?

Intensives Training – körperlich, stimmlich und mental – verändert nicht nur die Performance, es verändert, wie wir uns selbst und den Beruf wahrnehmen. Corinne Soland zieht Bilanz.

Mitte des Jahres. Etwas über die Halbzeit. Sieben Monate London. Sieben Monate RADA. Sieben Monate Theatre Lab. Ich realisiere langsam, wie viel ich hier erlebe. Und beginne, mir zu notieren, was denn eigentlich alles passiert ist bisher und was ich auf jeden Fall mitnehmen werde. Was folgt, ist deshalb ein nicht abschliessendes, für euch einsehbares Gedankensortieren. Vielleicht erkennt ihr euch ja auch direkt darin, wenn ihr unterwegs seid, in den Proberaum oder zu einer Vorstellung, und das lest. Liebe Grüsse von hier!

Stimme: Öffnen. Erweitern. Platz-Machen.

Sowohl die Stimm-Dozentin Suzanne West als auch der Gesangslehrer Mark Oldfield machen kein wöchentliches Training mit uns, sondern begleiten uns mit gezielten Inputs in Modulen. Besonders Mark legt grossen Wert darauf, durch eine Öffnung des ganzen Stimmapparates und der Resonanzräume für Leichtigkeit im Umgang mit der Stimme zu sorgen.

Für den griechischen Chor haben wir mit Suze “Extreme Voicing” Techniken erarbeitet und gelernt, die Stimmbänder auch durch stark beanspruchende Passagen wie Schreien im offenen Raum (Amphitheater) oder Weinen mit Übergang in den Klage- oder Trauergesang gut durch das Zwerchfell zu stützen.

Wir haben ein 10-minütiges Warmup erstellt, das aus dem Körper heraus funktioniert und in stressigen Situationen abgekürzt werden kann. Darin enthalten und neu für mich sind zum Beispiel die Zungendehnung oder die Infinity Vowel Chart. Das ist grafisch dargestellt eine liegende 8, das Unendlichkeitszeichen, worauf die Vokale AH, AY, EE, AW und OO notiert sind. Diese unterschiedlichen phonetischen Klänge kombinieren wir dann mit Konsonanten (s, t, p, w, k, etc.), um eine kleine rhythmische Abfolge auszusprechen: “stah, stay, stee, stay, stah, staw, stoo, staw”.

Ausserdem immer wieder amüsant sind die englischen Zungenbrecher, bei denen ich auch nach der fünften Wiederholung nicht nachkomme – und die den britischen Humor ins Unterrichtszimmer bringen… Hier der “fave” von Suze: “Mrs Puggy Wuggy has a square cut punt. Not a punt cut square, just a square cut punt. It’s round in the stern and blunt in the front. Mrs Puggy Wuggy has a square cut punt.”

Ensemble: Zuhören. Atmen. Dasein.

Zu Beginn begleitete uns die Schauspielerin und Bewegungsdozentin Chiara D’Anna im Prozess, uns als Menschen und Performende im Raum zu begegnen. Sie führte uns durch ein Bewegungsvokabular, das im Physical Theatre oft gebraucht wird und als Grundlage dient, sich intensiver mit gewissen akrobatischen Elementen beschäftigen zu können.

Durch den Fokus auf die Form und die aktive Zusammenarbeit, um zum Beispiel Gewicht abzugeben im Liegen über den Rücken einer:s Mitstudente:in, wurden wir körperlich aneinander gewöhnt und lernten, uns zu vertrauen. Die Entscheidung, aus uns in den ersten vier Monaten ein Ensemble zu machen, ist natürlich bewusst gefällt, und stammt aus Ian Morgan’s Expertise in Company-Produktionen.

Mein persönlich wichtigstes “Take-Away” ist, dass in einem Chor oder in einem Ensemble nicht alle gleich sein müssen – im Gegenteil. Ein Chor lässt Platz für jede einzelne Figur, sich selbst zu sein und Dynamiken aufzugreifen, die entstehen, gerade weil es unterschiedliche Energien gibt. Wir als Ensemble haben uns mit der Zeit aufeinander eingestimmt und lassen der Individualität der einzelnen Menschen und Spielenden Platz; gleichzeitig erschaffen wir etwas, das im Raum bestehen kann, das grösser ist als unsere kumulierte Energie: eine Nachhaltigkeit in unserem Wirken durch das Zusammenspiel. Am besten wird dies deutlich, wenn wir uns alle im Raum bewegen, gemeinsam atmen und unsere Bewegungen unsichtbar durch den Atem aufeinander abgestimmt sind.

Devising: Impulsen vertrauen. Bauen. Stärken.

In einem Modul präsentieren wir alle zwei Wochen ein neues 15- bis 20-minütiges Kurzstück. “Contextual Studies” ist so aufgebaut, dass wir zwei exemplarische Stücke einer bestimmten kunst- oder kulturhistorischen Epoche lesen und diese dann umsetzen. Unsere 18 Performenden sind in 3 Gruppen aufgeteilt, wobei zwei Gruppen die Texte umsetzen und eine Gruppe frei nach den Themen der Stücke etwas Eigenes kreiert.

Für die Umsetzung dieser Stücke ist zentral, dass wir uns mit den zu der Zeit des Stückes herrschenden Konventionen des Schauspiels sowie des politischen Klimas auseinandersetzen. Beides beeinflusst immens, was wir hervorbringen und je mehr wir uns auf den jeweiligen Spielstil und das “Warum” des Stückes einlassen können, umso klarer wird die Sprache der Performance selbst.

Das möchte ich unbedingt weiterziehen nach dem MA: das Interesse an dem, was bereits war und wie wir uns diese Theatersprachen aneignen und weiter kultivieren können – nebst dem Interesse daran, neues und eigenes zu erschaffen. (Nebst Theaterliteratur dafür wie “Theatre Histories – An Introduction” von Zarilli/McConachie/Williams/Sorgenfrei ist “The Story of Art Without Men” von Katy Hessel oder ihr Podcast “The Great Women Artists” empfehlenswert.)

Gleichzeitig lernen wir in den Unterrichtseinheiten “Physical Performance” und “Developing Performance” Techniken und Strategien, Performance zu entwickeln. Aus einem Bild, einer Idee, einem Gedicht, einem Lied, einem Satz oder einem Blick werden Fragmente und Szenen entwickelt. Aus einer kontextlosen Handlung, die wir beobachtet haben im Alltag, aus einer Haltung, die wir eingenommen haben im physischen Training, aus einem Gefühl, das gerade vorherrscht… Aus einem Buch, einem Film, einem Foto aus dem persönlichen Archiv, aus Aussagen in der Politik, aus der Erzählung einer Freundin, aus einem alten Projekt, aus dem Traum eines zukünftigen Projekts, aus der Idee eines Ensemble-Mitglieds. Wir lernen, uns zur Verfügung zu stellen, in der Co-Präsenz mitzubauen und Impulse zu stärken.

Sieben Monate “ofem Bode omerugele” und intensiv mit den gleichen Menschen in einem Raum arbeiten. Ich freue mich auf die verbleibenden fünf.

Der Gegenvorschlag zur Initiative „Erhalt des Musical Theaters“ wurde Grossen Rat mit 59 zu 32 Stimmen angenommen. Damit kann das kulturelle Angebot des Theaters weiter stattfinden.

Das Musical Theater Basel darf als Kulturhaus und nicht als Schwimmhalle weiter bestehen. Die Absicht der Regierung, das Gebäude als 50-Meter-Hallenbad umzunutzen, fand im Parlaments keine Mehrheit.

Die vorberatende Kommission brachte den jetzt erfolgreichen Gegenvorschlag zur Volksinitiative «Erhalt des Musical Theater Basel», der an einer kulturellen Nutzung des Gebäudes festhält, dafür aber Bedingungen formuliert. Die Initiant*innen ziehen das Volksbegehren «Erhalt des Musical Theater Basel» zurück, sofern kein fakultatives Referendum ergriffen wird, was nicht wahrscheinlich scheint.

15 Millionen für Sanierung

Das Gebäude wird weiterhin für Musicals und Konzerte, soll aber auch als Kultur- und Begegnungsstätte genutzt werden können. Es wird in Zukunft durch eine noch auszuschreibende Betreiberschaft geführt. Damit soll ausgeschlossen werden, dass der Kanton das Kulturhaus in Eigenregie betreiben muss. Der Kanton beteiligt sich  mit einem Investitionsbeitrag von 15 Millionen Franken an der Sanierung.

SP als einzige gegen Theater

Das Erstaunliche an dieser politischen Auseinandersetzung: Die sonst kulturaffine SP stimmte nicht nur gegen die Initiative, sondern lehnte auch den Gegenvorschlag ab und hielt an der Idee eines Schwimmbades fest.

Das Initiativ-Komitee lässt verlauten: „Wir sind dankbar, dass eine klare Mehrheit des Grossen Rats Basel heute den Erhalt des Musical Theaters befürwortet hat. Wir freuen uns darüber, dass alle Fraktionen mit Ausnahme der SP für die Zukunft des Musical Theater Basel gestimmt haben. Wir ziehen unsere Initiative zurück und stellen uns aus Überzeugung hinter den Antrag des ‚Grossen Rates Basel‘. Unser Ziel ist damit erreicht.“

Von London nach Griechenland, in die Wiege des klassischen europäischen Theaters – Corinne Soland erzählt diesen Monat vom Abenteuer, in einem Amphitheater zu spielen.

An der RADA zu studieren, bedeutet auch immer wieder, überrascht zu werden: Ich hatte mich nicht eingeschrieben, um international auf Mini-Tournée zu gehen. Doch genau davon möchte ich euch in diesem Monat erzählen.

Über mehrere Wochen haben wir mit dem Schauspiellehrer und Coach Christopher Sivertsen in England zum Thema Griechischer Chorus gearbeitet. Entstanden ist eine Performance, die Euripides’ Bakchen und Medea sowie die Orestie von Aischylos verbindet, durch physische Elemente, Gesang und Lamentationen.

Chris war langjähriges Mitglied der polnischen Theatergruppe Song of the Goat (Teatr Pieśń Kozła) und traf dort auf Ian Morgan, den heutigen Kursleiter unseres Masterprogramms. Seit 13 Jahren gehen die beiden zusammen mit der Theatre Lab Gruppe nach Griechenland, um ihre Arbeit am Youth Theatre Festival in Messini zu zeigen.

Wir durften zwei Shows spielen: die erste vormittags in “Ancient Messene”, das zum UNESCO-Weltkulturerbe zählt, die zweite abends in Messini auf dem Dorfplatz.

Das historische Messini liegt in den mit Oliven- und Zitronenbäumen bewachsenen Hügeln im Süden der peloponnesischen Halbinsel. Etwa drei Stunden von Athen entfernt und nur fünfzehn Minuten vom nahegelegenen Flughafen Kalamata. Wir übernachteten in Messana, einem wunderbaren Hotel und durften in der Ithomi Taverne im Dorf absolut fantastisches Essen geniessen. (Wenn euch das inspiriert, Griechenland-Ferien zu buchen, do it ;))

Vom Hotel spazierten wir 15 Minuten hinunter in die archäologische Stätte und wärmten uns auf. Unser Spielort war nicht das massive Amphitheater fünf Gehminuten entfernt, sondern das mittelgrosse Amphitheater, in dem früher debattiert wurde. Aufgeregt, aber auch sehr beeindruckt von der Möglichkeit, hier zu spielen, und der Atmosphäre rund um das Theater, flossen wir gemeinsam in einen fokussierten Zustand.

Um 9.30 Uhr morgens trudelten die Schüler:innen ein und wir starteten die Performance mit einem Gesang aus Medea. 45 Minuten lang war das Stück und die Zuschauenden waren aufmerksam dabei. Bereits am Tag zuvor, bei den Proben, schien uns freundlich die Sonne auf den Kopf, der beste Scheinwerfer der Welt. Es fühlte sich gut an, an diesem Ort, so verbunden mit der Natur und der Geschichte, zu tanzen und zu singen und diese Geschichten zu erzählen.

Unsere englische Physical Theatre-ähnliche Version kam gut an und es war spannend, zuvor und danach auch die Stücke der anderen Gruppen anzuschauen – griechische Mythologie erzählt auf Griechisch, Spanisch und Chinesisch.

Beschwingt machten wir uns danach auf zu unserer zweiten Spielstätte.

Das Dorf Messini befindet sich nicht unweit von der Küste – zum Meer haben wir es allerdings nicht geschafft. Unsere Performance wurde im Rahmen des Festivals um 19 Uhr nochmals gezeigt und dieses Mal fühlte sich unsere Show lebendiger an, wach und entspannt. Gleichzeitig haben wir mehr Raum eingenommen und das Stück “zu unserem gemacht” – bevor es dann abgespielt war.

Die Erfahrung war eine wichtige für die Gruppe. Gemeinsam zu reisen bringt doch einige Tücken mit sich und bei so viel Programm in vier Tagen hätte es einige Momente geben können, die durch Anspannung oder Überforderung zu Unruhen führen. Doch dem war nicht so und so können wir heute mit der neuen Erfahrung im Gepäck gestärkt als Gruppe in die neuen Unterrichtseinheiten eintauchen.

Einen Tag nach der Rückkehr geht es also direkt weiter mit der Arbeit an Clown (mit Peta Lily) und Animal Transformation Work (mit Tim Dodd von der Compagnie Gabrielle Moleta). Aufregend! Davon mehr nächsten Monat – bis dahin Grüsse von hier <3

D/F/I – Kulturbudget-Kürzungen des Bundes gefährden laut Taskforce Culture nicht nur die kulturelle Vielfalt der Schweiz, sondern auch deren gesellschaftliche Resilienz in Krisenzeiten.
Für Französisch und Italienisch nach unten scrollen

Die geplanten Kürzungen im Kulturbereich in der Vernehmlassung des Entlastungspakets 27 bedrohen nach Ansicht der Taskforce Culture nicht nur die Vielfalt und Innovationskraft der Schweizer Kultur, sondern schwächen auch gezielt die gesellschaftliche Resilienz – in einer Zeit, in der diese Stärke strategisch wichtiger denn je ist.

Hier zur vollständigen Medienmitteilung

Kultur ist kein Nebenschauplatz. Sie trägt zu Bildung, Identität, Innovationskraft und internationaler Ausstrahlung der Schweiz bei. Gerade angesichts hybrider Bedrohungen und gesellschaftlicher Polarisierung mahnt die Taskforce Culture: Der Schutz kultureller Infrastrukturen ist eine Investition in die demokratische Widerstandsfähigkeit des Landes.

Die geplanten Einsparungen bedrohen kulturelle Bildung, internationale Kooperationen und die kreative Wirtschaft – genau jene Bereiche, die der Schweiz auch in schwierigen Zeiten Stabilität und Dynamik sichern.

Zitat Taskforce Culture

«Wer heute an der Kultur spart, riskiert morgen den gesellschaftlichen Zusammenhalt», so die Taskforce Culture. «In einer Zeit, in der Resilienz zur härtesten Währung wird, darf die Schweiz nicht am falschen Ende sparen. Kultur ist keine Subvention, sondern strategisches Kapital.»

Die Schweiz auf dem Prüfstand

Die Debatte über das Entlastungspaket 27 stellt eine Richtungsentscheidung dar: Setzt die Schweiz weiterhin auf eine starke, offene Gesellschaft oder opfert sie kulturelle Infrastrukturen kurzfristigen Sparzielen? Taskforce Culture fordert: Statt Kürzungen braucht es gezielte Investitionen in gesellschaftliche Resilienz, kulturelle Vielfalt und demokratische Innovationskraft.
Forderungen im Überblick

• Keine Kürzungen bei kulturellen Institutionen und Programmen.
• Schutz der kulturellen Vielfalt als strategisches Standortmerkmal.
• Stärkung kultureller Bildung und gesellschaftlicher Teilhabe, insbesondere für Kinder und Jugendliche.
• Bewahrung internationaler Kulturpartnerschaften als Beitrag zur hybriden Sicherheitspolitik.
• Verankerung kultureller Resilienz als strategisches Ziel der Schweizer Politik.

Info

Die Taskforce Culture ist ein sparten- und verbandsübergreifender Zusammenschluss von über 70 Schweizer Kulturverbänden und -organisationen, darunter auch SzeneSchweiz. Sie wurde während der Covid-19-Krise gegründet, um gemeinsame kulturpolitische Interventionen zu bündeln, und hat sich seither als zivilgesellschaftliche Stimme für die Anliegen der Kultur etabliert. Die Taskforce Culture versteht Kultur als systemrelevanten Bestandteil einer demokratischen, innovativen und widerstandsfähigen Gesellschaft.

«La culture n’est pas une subvention, mais un capital stratégique»

Selon la Taskforce Culture, les coupes dans le budget culturel de la Confédération menacent non seulement la diversité culturelle de la Suisse, mais aussi sa résilience sociale en temps de crise.

Les coupes prévues dans le secteur culturel dans le cadre de la consultation sur le paquet d’allègement 27 menacent, selon la Taskforce Culture, non seulement la diversité et la capacité d’innovation de la culture suisse, mais affaiblissent aussi délibérément la résilience de notre société – à un moment où cette force est plus stratégique que jamais.

La culture n’est pas un domaine secondaire. Elle contribue à l’éducation, à l’identité, à la créativité et au rayonnement international de la Suisse. Face aux menaces hybrides et à la polarisation sociale, la Taskforce Culture rappelle : la protection des infrastructures culturelles est un investissement dans la résilience démocratique du pays.

Les économies envisagées mettent en danger l’éducation culturelle, la coopération internationale et l’économie créative – précisément les domaines qui garantissent à la Suisse stabilité et dynamisme, même en période de crise.

Citation de la Taskforce Culture

« Couper aujourd’hui dans la culture, c’est risquer de compromettre demain la cohésion sociale », affirme la Taskforce Culture. « À une époque où la résilience devient une monnaie forte, la Suisse ne peut pas se permettre de faire des économies au mauvais endroit. La culture n’est pas une subvention, mais un capital stratégique. »

La Suisse à la croisée des chemins

Le débat autour du paquet d’allègement 27 représente une décision d’orientation : la Suisse veut-elle continuer à miser sur une société forte et ouverte ou sacrifier ses infrastructures culturelles à des objectifs d’économie à court terme ? La Taskforce Culture demande : au lieu de coupes, il faut des investissements ciblés dans la résilience sociale, la diversité culturelle et l’innovation démocratique.

Revendications en résumé

• Aucune coupe dans les institutions et programmes culturels.
• Protection de la diversité culturelle comme atout stratégique pour la Suisse.
• Renforcement de l’éducation artistique et de la participation culturelle, notamment pour les enfants et les jeunes.
• Préservation des partenariats culturels internationaux comme contribution à la sécurité hybride.
• Ancrage de la résilience culturelle comme objectif stratégique de la politique suisse.

Informations

La Taskforce Culture est une alliance interdisciplinaire et interassociative réunissant plus de 70 organisations et associations culturelles suisses, dont également SzeneSchweiz. Créée durant la crise du Covid-19 pour coordonner des interventions culturelles communes, elle s’est imposée comme voix citoyenne de la culture. La Taskforce Culture considère la culture comme un élément essentiel d’une société démocratique, innovante et résiliente.

«La cultura non è una sovvenzione, ma un capitale strategico»

Secondo la Taskforce Culture, i tagli al budget culturale da parte della Confederazione mettono a rischio non solo la diversità culturale della Svizzera, ma anche la sua resilienza sociale in tempi di crisi.

Secondo la Taskforce Culture, i tagli previsti al settore culturale nella consultazione sul pacchetto di sgravio 27 non minacciano soltanto la diversità e la capacità innovativa della cultura svizzera, ma indeboliscono intenzionalmente anche la resilienza della società – proprio in un momento in cui questa forza è più strategica che mai.

La cultura non è un ambito secondario. Contribuisce alla formazione, all’identità, alla creatività e al prestigio internazionale della Svizzera. Di fronte alle minacce ibride e alla polarizzazione sociale, la Taskforce Culture sottolinea: la protezione delle infrastrutture culturali è un investimento nella resilienza democratica del Paese.

I risparmi previsti mettono a rischio l’educazione culturale, la cooperazione internazionale e l’economia creativa – proprio quei settori che garantiscono stabilità e dinamismo alla Svizzera, anche in tempi difficili.

Citazione della Taskforce Culture

«Chi oggi risparmia sulla cultura, rischia domani la coesione sociale», afferma la Taskforce Culture. «In un’epoca in cui la resilienza diventa la valuta più preziosa, la Svizzera non può permettersi risparmi sbagliati. La cultura non è una sovvenzione, ma un capitale strategico.»

La Svizzera a un bivio

Il dibattito sul pacchetto di sgravio 27 rappresenta una scelta di direzione: la Svizzera vuole continuare a puntare su una società forte e aperta oppure sacrificare le sue infrastrutture culturali a obiettivi di risparmio a breve termine? La Taskforce Culture chiede: invece di tagli, sono necessari investimenti mirati nella resilienza sociale, nella diversità culturale e nella capacità democratica di innovazione.

Le richieste in sintesi

• Nessun taglio alle istituzioni e ai programmi culturali.
• Protezione della diversità culturale come fattore strategico di attrattiva per la Svizzera.
• Rafforzamento dell’educazione culturale e della partecipazione sociale, in particolare per bambine/i e giovani.
• Tutela delle partnership culturali internazionali come contributo alla sicurezza ibrida.
• Integrazione della resilienza culturale come obiettivo strategico della politica svizzera.

Informazioni

La Taskforce Culture è un’alleanza intersettoriale e interassociativa che riunisce oltre 70 organizzazioni e associazioni culturali svizzere, tra cui anche SzeneSchweiz. Fondata durante la crisi del Covid-19 per coordinare interventi comuni in ambito culturale, si è affermata come voce della società civile a favore della cultura. La Taskforce Culture considera la cultura una componente essenziale di una società democratica, innovativa e resiliente.

Wie starte ich ein Bühnenprojekt? Wie beantrage ich Fördergelder? Brauchen meine ausländischen Darsteller*innen ein Visa? Für diese und viele andere Fragen gibt’s jetzt einen Leitfaden, der jahrelange Erfahrung und professionelles Knowhow frei zugänglich macht.
Autorin: Isabelle Jakob für m2act/Ensemble

Seit 2017 konnten Produktionen und Teams in den Darstellenden Künsten von der ersten Idee bis zur Premiere Unterstützung bei produktionsDOCK, dem Freien Produktionsbüro Basel, holen. Planung, Finanzierung, Organisation und letztendlich Veröffentlichung wurden von Fachpersonen begleitet.

Das hat leider ein Ende: Produktions-DOCK musste im Dezember 2024 seine Türen schliessen. Doch das Team hinterlässt ein wichtiges Erbstück: Im letzten Jahr seines Bestehens hat produktionsDOCK mit der Unterstützung von Migros-Kulturprozent  m2act, der Christoph Merian Stiftung sowie der Ernst Göhner Stiftung den «Leitfaden – Produzieren in der Freien Szene der Schweiz» herausgegeben. Das Tool macht über Jahre gesammeltes Fachwissen zugänglich, steht frei zur Verfügung und darf von allen weiterentwickelt werden.

produktionsDOCK
Das Basler Produktionsbüro  wurde 2017 von Franziska Schmidt, Larissa Bizer, Christiane Dankbar und Bernhard la Dous gegründet. Per Ende 2024 gab das Büro nach acht Jahren seine Schliessung bekannt. Ausschlaggebend war ein Förderentscheid der Abteilung Kultur Basel-Stadt bezüglich einer beantragten essentiellen Förderung, welcher nicht in vollem Umfang entsprochen wurde.

Schritt-für-Schritt-Anleitung

Entstanden ist ein 40-seitiges Dokument, das für alle kostenlos heruntergeladen werden kann. Der Leitfaden bietet Künstler*innen und Produktionsleiter*innen der Deutschschweizer Freien Szene eine praktische Orientierung. Schritt für Schritt führt er durch die zentralen Phasen eines künstlerischen Projekts – von der ersten Idee über die konkrete Umsetzung bis hin zur Verbreitung und Gastspieltournee.

Hier geht’s zum Leitfaden-PDF

Der Fokus liegt auf praxisnahen Informationen und realistischen Einblicken in den typischen Ablauf einer Produktion, wie sie in Zusammenarbeit mit etablierten Veranstalter*innen in der Deutschschweiz realisiert wird. Annina Birrer, bis 2024 Co-Geschäftsleiterin bei produktionsDOCK, erklärt es so: «Während die Fragen nach der Betriebsstruktur und internen Abläufen angesichts der Schliessung nicht mehr im Vordergrund standen, wurde die Frage nach der Zugänglichkeit von personengebundenem Wissen umso drängender. Deshalb haben wir uns entschieden, unsere Energien in diesem letzten Jahr darauf zu fokussieren, unser gesammeltes Wissen in einem Handbuch niederzuschreiben und dieses unseren Künstler*innen sowie der gesamten freien Szene zur Verfügung zu stellen.»

m2act
ist ein Förder- und Netzwerkprojekt des Migros-Kulturprozent für die Darstellenden Künste und unterstützt Prozesse und Vorhaben, die von Kulturschaffenden gemeinsam und gleichberechtigt mit anderen Spezialist*innen entwickelt und realisiert werden. In der Zusammenarbeit verbinden sich künstlerische Arbeitsweisen mit weiteren Bereichen wie zum Beispiel Soziales, Wirtschaft, Gesellschaft, Forschung, Wissenschaft und Politik.

Theorie UND Praxis

Der Leitfaden gliedert sich in drei Hauptkapitel, die die Phasen eines künstlerischen Projekts strukturiert und praxisnah begleiten: Konzeption, Produktion und Diffusion/Touring. Zusätzlich geben zwei Exkurse vertiefte Einblicke in die Themen Personal- und Vereinsadministration, die für eine erfolgreiche Projektarbeit von Bedeutung sind.

Der Leitfaden gibt sehr konkret und ausführlich Tipps zur Zeitplanung, zu Visaanträgen, zu Spesenregelungen, zu den Personal- und Sachkosten, zu Förderanträgen etc. Zudem ist die umfangreiche Theorie angereichert mit vielen Beispielen aus der Praxis, die grün markiert sofort ersichtlich und leicht nachvollziehbar sind.

Grosse Dankbarkeit aus der Szene

Der Leitfaden stösst in der Szene vor allem auf grosse Dankbarkeit, erzählt Annina Birrer. «Wie rege das Tool genutzt wird, können wir nicht genau sagen, da wir keine statistische Auswertung machen. Aber die Wertschätzung aus unserem Netzwerk ist gross.

Grund dafür ist mitunter, dass es nach unserem Wissensstand bislang kein vergleichbares, frei zugängliches Handbuch zum Produzieren in der Freien Szene der Darstellenden Künste gibt. Uns wurde von verschiedenen Seiten rückgemeldet, dass dieses Tool die Planung und Durchführung eigener Projekte stark erleichtert, aber auch toll als Grundlage für die Vermittlung von Produktionswissen eingesetzt werden kann.»

Teilen und Weiterentwickeln erwünscht

Dass dieser Leitfaden im Sinne von Open Source explizit dazu gedacht ist, Wissen zu teilen und zugänglich zu machen, ist der Kern des Projekts. Die Entwickler*innen: «Wir möchten gerne nochmals betonen, dass die Idee dieses Leitfaden ist, dass er ergänzt, weiterentwickelt und geteilt werden kann und soll. Also nutzt ihn als Grundlage für Workshops, macht eine Light-Version daraus, adaptiert auf spezifische Produktionsrealitäten etc. Spätestens in ein, zwei Jahren wird er zudem bestimmt das ein oder andere inhaltliche Update benötigen, da sich die Szene und deren Produktionsbedingungen ja auch stets im Wandel befinden.»

Der Leitfaden ist bisher nur in deutscher Sprache vorhanden. Die englische Version ist aber bereits im Lektorat und sehr bald zum Herunterladen in der Toolbox von m2act. Sobald zugänglich, erfahrt ihr es hier.

Hier geht’s zum Leitfaden-PDF

Wo beginnt die Bühne? Wann spielen wir uns und anderen etwas vor? Und warum geben wir uns Mühe, besser zu wirken als wir uns fühlen? Ist das auch Schauspielerei? Steffi denkt darüber nach.

Ich erinnere mich an meine erste Schauspielstunde 2003 in Wien. Die Lehrerin fragte uns, was wir unter Schauspiel verstehen?
Meine Antwort weiss ich noch ziemlich genau, weil mich die Dame daraufhin verdutzt anschaute: „Ich finde, dass wir im Leben die ganze Zeit irgendwie schauspielern.“

Damals nicht ahnend, was diese Aussage eigentlich bedeutet, würde ich heute ganz anders antworten: „Schauspiel ist für mich eine wunderbare Möglichkeit, Charakterzüge auszuleben, die ich im Alltag zu zähmen versuche.“

Aber mir begegnen tatsächlich immer wieder Menschen, auch aus dem Showbiz, die sagen, dass wir doch im Alltag sowieso immer eine Rolle spielen. In jeder Umgebung eine andere Figur. Seit Jahren beobachte ich die Menschen und mich selbst in Interaktionen. Warum habe ich bei dieser Person das Gefühl, sie spielt eine Rolle und bei einer anderen, dass sie ganz authentisch bei sich selbst ist?

Warum machen wir uns in der Arbeitsumgebung die Mühe, gut gelaunt zu erscheinen und bei der Mama sind wir genervt und schamlos? Warum verstellen wir uns am einen Ort, während wir am anderen auch unsere anstrengendsten Seiten zeigen?

Ich habe dieses Verhalten auch bei mir selbst beobachtet und trainiere es immer wieder, mit allen Menschen möglichst gleich umzugehen. Es verändert dich und dein Leben, wenn du mit deiner Mama genauso respektvoll umgehst, wie mit dem Regisseur. Aber was noch viel wichtiger ist, dass man auch in jeder Umgebung für sich selbst einsteht und seine Meinung äussert.

Dies fällt mir je nach Arbeitsatmosphäre manchmal immer noch schwer. Es gelingt mir auch nicht bei jedem Kollegen oder jedem Verwandten gleich, jedoch ist es mein Anspruch. Gerade in der Schweiz finde ich dieses Höflichkeits-Getue manchmal sehr fragwürdig.

Gerade mit jemandem, der zum Beispiel seine Aufgaben nicht erfüllt, seine Schulden nicht bezahlt oder seit Ewigkeiten nicht antwortet. Mein Gott, muss man denn immer höflich bleiben? Mittlerweile habe ich schon oft erlebt, dass ich mit einem schroffen Tonfall mehr erreiche, als mit Nettigkeiten. Gerade bei Männern ist es oft so, dass sie dich dann mehr respektieren.

Hast du auch das Gefühl manchmal eine Rolle zu spielen? Weshalb glaubst du, dass du in diesen Momenten nicht einfach du selbst sein kannst? Wäre es zu langweilig? Schämst du dich, genervt zu sein?

Ich selbst empfinde mich z.B. in einer Art Rolle, wenn ich unterrichte. Aber eigentlich fühle ich mich nur viel energetischer und blühe auf, weil ich für die Gruppe die volle Verantwortung habe. In diesem Sinne schlüpfe ich in die Rolle der leitenden Position, ich spreche lauter und agiere präsenter. Wenn ich aber nicht ganz fit bin, merke ich, dass dafür keine Energie vorhanden ist und dann funktioniert es auch in meinem entspannten ICH. Somit bräuchte ich die „Rolle“ gar nicht, trotzdem macht es mir in dem anderen Modus viel mehr Spass.

In einer Audition Situation ist es ähnlich. Ich könnte den Raum in einer Art „Steffi-Rolle“ betreten, die präsenter, freundlicher und fröhlicher ist. Aber ich habe die Erfahrung gemacht, dass ich mich selbst viel wohler fühle, wenn ich ganz entspannt der Jury gegenüber trete und im Moment, wo das Lied beginnt, in die Rolle und Stimmung der besagten Figur schlüpfe. Dank der vielen Konzert-Erfahrungen in den letzten Jahren, konnte ich diese Situation oft üben. Früher fühlte ich mich so unwohl bei Vorsingen und Konzerten.

Ich wollte nicht als Steffi- Rolle (ohne Rolle und Kostüm etc.) da vorne stehen und mich präsentieren. Mittlerweile habe ich aber gemerkt, dass ich gar keine Rolle einnehmen muss. Selbst wenn ich anfange zu singen, darf ich mich selbst sein und mit dem Lied verschmelzen. Ich muss nichts Künstliches darstellen, ich darf den Song einfach so präsentieren, wie ich es in diesem Moment empfinde und es kann mir nichts passieren, wenn ich mich so zeige, wie ich mich gerade fühle.

Im Gegenteil, es macht die Performance authentisch und ich will bei anderen Künstlern ja auch sehen, wie SIE das Lied empfinden oder die Rolle sehen. Eine Kopie kann jeder abliefern, das ist keine Kunst. So ist es auch im Alltag eine „Kunst“ eben nichts darstellen zu müssen, sondern einfach nur zu SEIN, wie man sich fühlt. Und plötzlich merken wir, wie ähnlich wir uns alle sind.

Ist es genug? Ist es nur ein Dopamintief oder das Hochstapler-Syndrom? Bin ich erfolgreich? – Nadine Hochstrasser sinniert über Erfolg, Identität und Ehrlichkeit.

Kann mir irgendjemand sagen, wie lange es noch dauert, bis ich nicht mehr das Gefühl habe, am Anfang meiner beruflichen Laufbahn zu stehen? Vor neun Jahren entschied ich mich, beruflich den Weg der Kunst einzuschlagen. Ich absolvierte eine Schauspielausbildung, ohne genau zu wissen, wohin ich eigentlich wollte. Selbst jetzt, wo ich mein gesamtes Einkommen mit Theater verdiene, fühlt sich ein Teil von mir immer noch absolut lächerlich dabei, zu behaupten, ich sei „Schauspielerin“.

Die Vorstellung, mich so vorzustellen, stösst mir auf. Irgendetwas in mir schreit laut: „Who the fuck are you?!“ Deshalb sage ich immer: „Ich bin Theaterschaffende.“ Das trifft meine Realität ohnehin viel besser.

Jeder meiner Jobs – und die meisten davon liebe ich – fühlt sich an wie ein Mittel zum Zweck, ein Schritt hin zu einem Ziel, das sich ständig zu verschieben scheint. Gibt es diesen einen Moment, in dem man fühlt, dass man angekommen ist? Oder bleibt die Ziellinie eine Fata Morgana, die sich immer weiter entfernt? Dieser Gedanke: „Wenn ich DAS geschafft habe, dann bin ich einen Schritt weiter.“ Aber dann gehe ich diesen Schritt, und sobald das Erlebnis vorbei ist oder hier ist, stehe ich wieder am Anfang. Immer wieder.

Aus meinem nicht kunstschaffenden Umfeld kommt oft die Frage: „Was machst du denn jetzt gerade?“ Manchmal fühlen sich diese Fragen an, als wäre der Subtext: „Ist der Erfolg nun endlich eingetroffen?“ Aber kommt dieser Druck wirklich von aussen? Oder projiziere ich ihn auf andere? Woher diese Gefühle kommen, kann ich mir in unserer kapitalistischen Dauer-Optimierungs-Erfolgsgesellschaft natürlich schon erklären. Ich möchte weder reich noch berühmt sein – trotzdem nehme ich diesen „Need to be special“ und das Verlangen nach einem extrem aufregenden Leben immer wieder wahr. Ich spüre diesen Hunger und wünschte, ich wäre satt.

Ich nenne das jetzt mal das „Falco-Syndrom“: Er landet Welthits – und zerbricht am Druck, weitere zu liefern. Welthits zu landen ist nicht das, was ich anstrebe, jedoch bringt dieses Beispiel mein Gefühl zum Ausdruck, dass sich unser Streben nach mehr immer verschieben wird – egal wie weit man es gebracht hat. Ist das der Grössenwahn der unsere Welt vergiftet?

Sind diese destruktiven Gedanken auch bei anderen so präsent? Selbst bei denen, die behaupten, total etabliert zu sein? Ist dieses ganze Spiel vielleicht genau das – ein Spiel? Oder bin ich alleine auf einem Spielfeld und habe verpasst, dass niemand gegen mich spielt.

In letzter Zeit experimentiere ich oft damit, wie ich über mein Dasein spreche. Ich beobachte, wie andere von ihrer Arbeit erzählen, und merke, wie sehr ihre Worte meine Wahrnehmung von ihnen beeinflussen. Was ich auch gerne vergesse: Sie haben viel weniger Informationen über meine Realität als ich selbst. Und doch nehme ich ihre Aussagen oft widerspruchslos hin, während ich erwarte, dass andere meine Worte als momentanes Gefühl verstehen – nicht als absoluten Zustand.

Eigentlich wünsche ich mir einfach ehrliche, reflektierte Gespräche. Ich wanke zwischen Bescheidenheit und dem Wunsch nach Grösserem. Vielleicht sind diese Momente des Zweifels nur Tiefstapelei, und ich verpasse die Wertschätzung, Genügsamkeit, das Geniessen im Jetzt und die Erkenntnis meines privilegierten Lebens. Manchmal denke ich, dass meine gutgläubige Ehrlichkeitsstrategie mich im Spiel des Erfolgreichseins schlechter dastehen lässt.

Dass mich Menschen weniger ernst nehmen, weil ich ihnen meine Wahrheiten ins Gesicht schmettere. Und wahrscheinlich tue ich dasselbe mit ihnen. Und doch gibt es diesen liebevollen Teil in mir, der stolz darauf ist – weil er es nicht als Strategie, sondern als Überzeugung sieht.

Es hilft mir, kleine Reisen in die Vergangenheit zu machen und mich zu fragen, was ich mir vor all diesen Jahren für mich und meine Zukunft gewünscht habe. In diesen Momenten weiss ich, dass ich damals noch viel mehr am Anfang war, als ich es jetzt bin. Vielleicht ist der Anfang so lange, bis der Schluss kommt. Ein stetiges Sich-im-Kreis-Drehen – man bleibt zwar in diesem Kreis, aber er wird grösser und tiefer.

Zur Person
Nadine Hochstrasser (29) ist freiberufliche Theaterschaffende aus Winterthur und vielseitig in der Schweizer Theaterlandschaft tätig. Sie arbeitet als Produktions- und Regiemitarbeiterin, Fundraising-Verantwortliche, Theaterpädagogin und Darstellerin. Während ihrer Schauspiel- und Sprecherausbildung engagierte sie sich beim Zürcher Theaterverein Jungthaeter und beim Jungen Theater Winterthur. Sie unterrichtete an verschiedenen Zirkusschulen und tourte zwei Jahre mit dem Circolino Pipistrello durch die Schweiz. Aktuell wirkt sie in Produktionen vom FAHR.WERK.ö!, Theater Jetzt und Regisseur Patric Gehrig mit. Nun steht sie mit ihrem eigenen Kollektiv DeliЯatio in den Startlöchern

Schweizer Firmen fahren Inklusions- und Gleichstellungsbemühungen herunter, um Trumps USA zu besänftigen. Dabei sind wir selbst in den liberalen Künsten noch weit vom Ziel entfernt. Anisha Imhasly beantwortet Fragen zu DEI.
Interview: Reda El Arbi / Bild: Anne Morgenstern

Anisha, 2017 startete die #MeToo-Bewegung aus den sexistischen Missständen in der Filmindustrie, regelmässig gibt es Diskussionen über kontroverse, beziehungsweise nicht stereotype Besetzungen in Filmen, zuletzt wohl beim Film Arielle, in dem Disney die Hauptrolle mit Halle Bailey, einer PoC Person of Color besetzte. Sind die darstellenden Künste besonders anfällig für strukturelle Ungerechtigkeiten?

Ich denke nicht, dass die darstellenden Künste für strukturelle Ungerechtigkeiten anfälliger sind als andere Sparten. Die Fragen um Repräsentation sind bloss sichtbarer, weil es um Darsteller*innen geht, die auf der Bühne stehen oder in Filmen zu sehen sind bzw. weil Besetzungen entweder (und das ist eher die Regel) stereotypen Mustern folgen, oder das Gegenteil tun, was dann bisweilen kontrovers diskutiert wird.

Bei der Besetzung von Halle Bailey als Arielle fand ich die Diskussion ehrlich gesagt absurd, denn es ging schliesslich um die Besetzung einer Disney-Vorlage, sprich einer konstruierten Cartoonfigur. Warum soll diese nicht durch eine Person of Colour besetzt sein? Anders als etwa im Literaturbetrieb oder bei der Komposition (und klar gibt es auch hier Ausnahmen!) geht es bei Theater und Film immer um kollektive künstlerische Prozesse. Da stellt sich eben die Frage, wie diese Prozesse organisiert sind, eher hierarchisch oder eher demokratisch.

Beides kann künstlerisch interessante Ergebnisse hervorbringen, doch gilt es festzuhalten, dass dort, wo Hierarchie ist, Macht ungleich verteilt ist – und diese lässt sich auch missbrauchen. Stichwort #MeToo. Stichwort männlicher Geniekult im Theaterbetrieb.

Zur Person
Anisha Imhasly arbeitet als Coach und Moderatorin und betreut Mandate im Bereich Diversität, Demokratisierung, Transformation und Chancengerechtigkeit bei verschiedenen Schweizer Kulturinstitutionen und Förderstellen, darunter Kultur Stadt Bern, Zürcher Theater Spektakel, Bühnen Bern, Theater Chur. Sie ist Mitglied des Expert*innen-Netzwerks von INES Institut Neue Schweiz und Mitherausgeberin des INES Handbuch Neue Schweiz, erschienen bei Diaphanes. Auf INES-Mandatsbasis war sie beratend tätig bei der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia für den strategischen Schwerpunkt Diversität.

Was hat sich in unseren Theatern und Filmen in den letzten 20 Jahren verbessert? Wo stehen wir, welche Entwicklungen müssen noch angegangen werden?

Die Künste sind immer auch ein Abbild gesellschaftlicher Entwicklungen. Wir leben heute in einer vielstimmigeren Welt, bei der die Stimmen derer, die marginalisiert sind, auch mitreden wollen. Zu Recht! Gerade die Kunst sollte diesen Stimmen Raum geben, statt Gatekeeping zu betreiben. Sicherlich haben Theater und Kino in den letzten 20 Jahren dadurch gewonnen, dass andere und neue Geschichten auf den Bühnen und Leinwänden bzw. Bildschirmen erzählt werden – Geschichten, die früher schlicht übersehen wurden oder welche die Entscheidungsträger*innen in Theater und Film schlicht nicht interessierten.

Dennoch stellt sich weiterhin die Frage: Wer entscheidet darüber, welche Geschichten erzählt werden, wer darf sie erzählen bzw. inszenieren, wer sie spielen – und für wen? Ein Theater, das sich dem gesellschaftlichen und demografischen Wandel nicht stellt, riskiert über kurz oder lang schlicht seine Relevanz.

Das bildungsbürgerliche Publikum stirbt aus und das Publikum der Zukunft wird ein anderes sein. Dafür braucht es nicht bloss Rezepte, sondern eine gesellschaftliche Verständigung darüber, was Theater kann und sein soll. Wir müssen begreifen, dass Kunst kein Luxus ist, sondern eine grundlegende Voraussetzung für demokratische Bildung und gegenseitige Verständigung.

Während für viele eindeutig rassistisches Verhalten wie Blackfacing oder das Verwenden des N-Wortes klar erkennbar sind, fühlen sich viele bei komplexeren Themen wie kultureller Aneignung, Miss- oder Unterrepräsentation oder sogar bei Sexismus überfordert und verunsichert. Kannst du vielleicht einige Beispiele nennen, die klarer aufzeigen, was damit gemeint ist?

Wie bereits erwähnt: Wir leben heute in einer wirtschaftlich und sozial hochkomplexen Gesellschaft, bei der mehr Menschen als früher Mitsprache reklamieren. Das führt auch zu mehr gesellschaftlicher Auseinandersetzung und bisweilen Konflikt. Diese Auseinandersetzung kann sehr unterkomplex geführt werden, etwa durch die auf Clicks schielenden Medien (Stichwort: Rastalocken, Brasserie Lorraine). Künstlerisch kann diese Auseinandersetzung hingegen sehr produktiv sein.

Die Überforderung und Verunsicherung kann ich ein stückweit nachvollziehen – viele künstlerisch tätige Menschen «müssen» sich heute mit Fragen auseinandersetzen, die sich bis vor einigen Jahren überhaupt nicht gestellt haben. Das hat aber vor allem damit zu tun, dass Theater und Kino vorwiegend und weiss dominiert war, dass Tänzer*innen und Schauspieler*innen «gängigen» Körpernormen entsprachen, usw.

Was interessierte es früher einen (meist männlichen) Intendanten, ob seine Dramaturg*innen gleichzeitig Mütter waren und ein Vereinbarkeitsproblem hatten? Heute fordern diese Dramaturg*innen mehr von ihren Arbeitgebern ein. Da sind sie selbst klar betroffen. Ein Stück weiterzugehen, würde heissen, dass ebendiese Dramaturg*innen sich etwa gegen Miss- oder Unterrepräsentation einsetzen, auch wenn sie selbst davon nicht betroffen sind. Es braucht mehr Verbündung und Solidarisierung gesellschaftlicher Anliegen, damit ein nachhaltiger Kulturwandel stattfinden kann. Denn letztlich geht es um kreative soziale Gerechtigkeit.

Viele der klassischen Bühnenstücke stammen noch aus einer Zeit, in der weisse, männliche Protagonisten die wichtigsten Rollen besetzten. Wie soll Regie und Dramaturgie mit dieser Voraussetzung umgehen, um zeitgemässe Werte zu transportieren und trotzdem dem ursprünglichen Inhalt gerecht zu werden?

Was spricht eigentlich dagegen, eine historische Figur mit einer Schwarzen Darsteller*in oder einer Person of Colour zu besetzen? Diese Setzung kann komplett neue Sichtweisen auf ein Thema eröffnen. In britischen Kostümfilmen sind Schwarze Menschen meist komplett abwesend, obwohl wir wissen, dass im 17. und 18. Jahrhundert Schwarze Menschen durchaus in Grossbritannien lebten – England betrieb bekanntlich ein weltumspannendes Empire. Man kann auch über «historisch korrekte» Besetzungen hinausgehen.

Der britische Regisseur Armando Iannucci etwa besetzte bei seiner Dickens-Verfilmung «The Personal History of David Copperfield» seinen Protagonisten mit dem britisch-indischen Schauspieler Dev Patel, und liess gleich noch weitere Honoratioren mit Persons of Colour besetzen.

Das war nicht bloss eine politische, sondern insbesondere eine ästhetische Setzung, ich die ich persönlich hinreissend fand. Ein viel zitiertes Beispiel ist Anta Helena Recke’s Inszenierung «Mittelreich» bei den Münchner Kammerspielen 2019, bei der sie das Stück, das zuvor bereits im selben Haus unter der Regie von Anna-Sophie Mahler inszeniert worden war, komplett durch Schwarze Darsteller*innen besetzte.

Dies lässt sich als Strategie lesen, wie man schwarze Subjekte und Körper in den deutschen Kanon einschreibt und eine Art «Appropriation» betreibt, gerade bei einem Stück, das über drei Generationen einer Familie deutsche Geschichte verarbeitet. Das sind für mich ästhetisch produktive Strategien, die weit über blosse Fragen von Repräsentation hinausgehen.

Bei der Geschlechter-Gleichstellung gibt es ja den Bechdel-Test: Gibt es mindestens zwei Frauenrollen? Sprechen sie miteinander? Unterhalten sie sich über etwas anderes als einen Mann? Wie merkt man, bei anderen DEI-Fragen rund um Diversität und Inklusion, ob das eigene Drehbuch, das eigene Theaterstück veraltete Stereotypen verbreitet? Gibt es eine Art Grundregel?

Ich kann keine Grundregel empfehlen, eher plädiere ich dafür, dass künstlerische Teams so besetzt sind, dass verschiedene biografische Zugänge berücksichtigt und unsere toten Winkel – die wir alle haben! – ausgeleuchtet werden können. Es gibt Produktionen, die sich bei «heiklen» Fragen beraten lassen, das kann fruchtbare Gespräche auslösen und etwas mehr Sicherheit schaffen.

Man kann eine «Outside Eye»-Position mit einplanen, d.h. wo eine externe (Fach-)Person beigezogen wird, um innerhalb des Produktionsprozesses punktuell bzw. nach Bedarf Einblick zu nehmen und Rückmeldungen zu geben. Sowas muss das Produktionsbudget nicht gleich sprengen. An die Adresse der Kulturförderung: Solche Positionen müssten in den Budgets bei der Eingabe berücksichtigt werden können!

In den USA kippt seit Trumps Wahl die Stimmung gegen DEI-Bestrebungen rund um Diversität und Inklusion. Werden wir diesen Backlash auch in der Schweiz spüren?

Der Backlash ist hierzulande insofern schon länger im Gange, als dass die künstlerischen Etats aus Spargründen gekürzt werden, und in Zeiten der finanzieller Verknappung Bemühungen um Diversität und Inklusion dann plötzlich nicht mehr so dringlich sind und oft als erstes über die Klinge springen müssen.

Die Arbeit an den Strukturen, gerade beim Theater, «wo man es immer schon so gemacht hat», ist mühsam, kostet Nerven und erbringt zunächst keinen offensichtlichen Nutzen. Es ist eine mittel- und langfristige Investition in neu zu definierende Inszenierungsformate, in diverse Ästhetiken, in menschliche Beziehungen und in Community-Building. Ich finde das eine sehr sinnvolle und für das Theater sinnstiftende Arbeit, die sich unbedingt lohnt, aber das ist immer auch eine Frage von Leadership und Haltung eines Hauses oder einer Compagnie. Es hilft auch nicht, wenn ein eingeschlagener Weg dann bei einem Intendanzwechsel wieder aufgegeben wird.

In Bezug auf die Entwicklungen in den USA: Die Entscheidung des Trump-Regimes, jegliche Bestrebungen um Diversität und Inklusion zu tilgen, zeigt doch relativ deutlich, dass es ihnen um weisse, patriarchale Vorherrschaft geht. Faktisch handelt es sich um ein explizites Bekenntnis zu Rassismus und Sexismus. Wollen wir in Europa und in der Schweiz diesen Weg einschlagen? Die Entwicklung zeigt doch vielmehr, dass die moralischen Paniken um «Woke» und «Cancel Culture» immer schon die Werkzeuge waren (und sind), um den Boden für autoritäre Politik zu bereiten.

Und vielleicht noch zum ganz normalen Alltag: Wie können Darsteller*innen sich sensibilisieren, um zu vermeiden, dass sie selbst verletzende oder abwertende Narrative bedienen?

Da lautet meine Antwort relativ platt: Selbstkompetenz durch Aneignung von Wissen. Es gab noch nie so viele Möglichkeiten, sich Erzählungen, Wissen und Kompetenzen von anderen Menschen anzusehen, anzuhören und zu lesen, wie heute.

Etwa durch das Schauen von Filmen und Serien, welche die Lebenswelten jener Menschen beleuchten, mit denen wir sonst nicht in Berührung kommen; durch die faszinierende Bandbreite von Podcasts und Instagram-Accounts, Substacks und Blogs (auch im deutschsprachigen Raum); durch öffentliche Anlässe und Interventionen in grossen Häusern und in der freien Szene; durch Literatur und Sachbücher.

Es geht letztlich um ein persönliches Commitment, um die gesellschaftlichen Prägungen und Normen, mit denen wir sozialisiert wurden, in uns selbst zu hinterfragen und abzubauen, und um alte ausgediente Narrative durch neue zu ersetzen. Gerade dafür ist Kunst doch geschaffen!

Wie misst man Erfolg? Ist es dasselbe wie Ruhm? Kann man Erfolg aufbewahren oder braucht man immer wieder neuen? Steffi macht sich Gedanken.

Von Stefanie Gygax

Wir alle möchten erfolgreich sein und merken gar nicht, dass wir jeden Tag Erfolg haben. Denn mit jeder erfolgreich abgeschlossenen Handlung haben wir Erfolg. Der Volksmund schreibt diesem Wort jedoch eine andere Bedeutung zu. Erfolg bedeutet Ruhm, viel Geld und in aller Munde zu sein! Kann man das allgemein über einen Kamm scheren oder bedeutet es nicht in jedem Genre etwas Anderes?

Was ist für dich Erfolg?

Für mich bedeutet Erfolg, meine Berufung ausüben zu können. Jedoch hat sich auch bei mir über die Jahre diese Wahrnehmung verschoben.
Als Kind war es mein Ziel, von der Kunst leben zu können. Ich fühlte mich nach meinem Studium immer erfolgreich, wenn ich Projekte hatte, egal welcher Art.

Ich war glücklich, wenn ich damit meine Rechnungen bezahlen konnte. Viel mehr brauchte ich nicht. Je älter ich aber wurde, desto kritischer wurde ich dem Genre gegenüber. Gewisse Produktionen wollte ich nicht mehr machen, weil sie mich nur Nerven kosteten oder weil ich der Ansicht war, dass zu wenig professionell gearbeitet wurde.

Der Wert von Geld veränderte sich ebenfalls, weil ich immer mehr darauf schaute, ob ich diese Rolle überhaupt singen möchte, oder ob ich mit diesen Menschen gerne zusammen arbeiten will, wo ich früher nur froh war, dass ich die Miete bezahlen konnte. Andererseits will ich mittlerweile auch nicht mehr in einer kleinen Popelwohnung wohnen und ein schönes Auto zu fahren gibt auch mir ein gutes Gefühl.

Bedeutet das nun, dass ich erfolgreich bin, weil ich diese materiellen Güter besitze? Irgendwie ja, aber auch nein.

Meine eigene Erfolgslatte wird immer höher. Ich kann noch so dankbar sein für die Dinge, die ich besitze oder schon erreicht habe. Ich strebe immer schon nach dem Nächstbesseren. Ein Fluch und ein Segen zugleich, weil ich ohne diesen Drang keinen Antrieb mehr hätte, nach dem nächsten Job Ausschau zu halten, wieder an Auditions zu gehen und neue Netzwerke zu knüpfen.

Gerade jetzt, als freischaffende Sängerin, bedeutet Erfolg für mich, wenn ich die nächsthöhere Stufe erreiche. Ich fühle mich erfolgreich, wenn ich sage, dass ich nicht mehr unter 500.- irgendwo für auftauche und es bezahlt wird, weil man mich engagieren möchte (Segen).

Andererseits bin ich aber erst wieder glücklich, wenn ich im nächst grösseren Stadttheater oder Opernhaus engagiert werde, weil ich alles andere als „normal“ erachte (Fluch).

Mir wurde bei einem kürzlichen Gespräch bewusst, dass jeder Mensch, egal ob Künstler oder nicht, das total anders sehen kann. Für mich war es zum Beispiel nie ein Thema, dass ich nur Erfolg habe, wenn ich in der Öffentlichkeit bekannt bin. Vielleicht, weil das in der Theaterbranche gar nicht so ein Thema ist. Der Medienruhm ist zwar „nice to have“, aber es sind eher die Theater oder Rollen, die stolz machen.

Mein einziges Idol, welches ich als Teenager auf der Bühne sehen durfte, in Wien am Raimundtheater, war Steve Barton. Für mich ein Ausnahme-Künstler, der als Graf von Krolock im Musical „Tanz der Vampire“ gefeiert wurde. Ein paar Jahre danach hat er sich das Leben genommen. Dies war für mich zwar tragisch, aber nicht erstaunlich. Ein Darsteller, der so feinfühlig singt und jeden Abend sein ganzes Herz auf die Bühne bringt, muss es ja zerstören, wenn er dieses Gefühl des Erfolges auf der Bühne und das tobende Publikum nicht mehr spüren darf.

Es zeigt die Kurzlebigkeit von Ruhm in unserem Beruf. Wir können für ein paar Jahre hochgelobt sein und danach arbeitslos zu Hause sitzen oder irgendwo im Ensemble versauern. Je grösser und Schöner die Engagements sind, desto tiefer der Fall danach.

Es stellt sich also eher die Frage: „Wie schaffe ich es als Künstler, glücklich zu sein, auch wenn ich gerade keinen sichtlichen Erfolg habe?“
Nur weil die Menschen im Aussen dich gerade nicht als erfolgreich betrachten, musst du ihnen nicht Glauben schenken. Denke daran, was du schon alles erreicht hast in deinem Leben und wisse, dass wieder irgendwo die nächste Tür aufgeht. Weil es immer so war und immer so sein wird, wenn du nicht aufhörst an dein nächstes Ziel zu glauben.

Tanz als Deckmantel für Geldwäscherei und Ausbeutung – wie die chinesisch-amerikanische Sekte Falun Gong Schweizer Bühnen benutzt.

260 Millionen Dollar besass die Tanz-Kompanie Shen Yun Ende 2023. Eher ein multinationaler Konzern als eine Kulturvereinigung. Der Tagesanzeiger zeigt die ganze Geschichte.

Ansammeln konnte die der Sekte Falun Gong zugehörige Tanzfirma ihren Reichtum in erster Linie aus der Ausbeutung ihrer Künstler*innen, Geldwäscherei und Steuervermeidung. Die Tänzer*innen, zum Teil Minderjährige, leben von 1000 Dollar im Monat. Ein Betrag, der die Künstler*innen in einer Art Lohnsklaverei hält – aber wie ist das möglich?

Shen Yun gehört zur chinesische-amerikanischen Sekte Falun Gong. Einige mögen sich noch erinnern, wie man die in China verfolgte Gemeinschaft in den 90ern und den 0er-Jahren unterstützte. Aus der spirituellen Vereinigung entwickelte sich in den Folgejahren eine ausbeuterische Sekte, die in ihren Strukturen den Scientologen in nichts nachsteht.

Sekten-Experte Hugo Stamm sieht die Bewegung «hochgradig sektenhaft», da der Gründer von Falun Gong seinen Anhängern zahlreiche Versprechen mache, die er unter keinen Umständen einlösen könne. Li Hongzhi – so der Name des Gründers – war bereits 1998 mit seiner Frau in die USA übergesiedelt, von wo aus er seine Lehre weiterhin propagiert. Unter anderem mit einem eigenen Medienunternehmen, der «Epoch Times». Dieses Medium fiel in den letzten Jahren mit vielen Verschwörungstheorien und Beiträgen von Impfgegnern während der Pandemie auf. Und in diesem Umfeld arbeitet auch das Tanz-Unternehmen Shen Yun.

Sekte tritt Musicaltheater Basel und im Théâtre de Beaulieu in Lausanne auf

Im Februar gastiert die Tanzgruppe erneut für vier Aufführungen in Basel und für vier weitere in Lausanne. Für die insgesamt acht Aufführungen im Februar haben sich zwei Vereine aus der Schweizer Falun-Gong-Bewegung im Musicaltheater in Basel und im Théâtre de Beaulieu in Lausanne eingemietet. Die FBM Entertainment, der das Musicaltheater Basel gehört und die bereits 2019 Shen Yun in ihrem Theater 11 in Zürich zu Gast hatte, will zu den Vorwürfen keine Stellung nehmen. 

Andere Bühnen haben Gastspiele verweigert. So etwa das staatlich subventionierte Theater Winterthur: Nach Gastspielen von Shen Yun im Jahr 2018 hatte das Theater zusammen mit dem Winterthurer Stadtpräsidenten entschieden, Shen Yun keine weiteren Auftrittsmöglichkeiten mehr zu gewähren. 2017 gingen Westschweizer Veranstalter von Shen Yun bis vors Bundesgericht, um mit einem Rekurs Aufführungsmöglichkeiten im Genfer Grand Théâtre zu erreichen. Vergeblich, das Bundesgericht wies das Begehren ab.

Der Tagesanzeiger schreibt: „Die Kompanie, die 2006 in New York gegründet wurde und heute mit ihren Welttourneen jährlich eine Million Menschen erreichen soll, will vordergründig eine klassisch chinesische Kultur zeigen, wie sie vor der Revolution der Kommunistischen Partei in China existiert habe. Doch eigentlich seien die Tanzaufführungen von Shen Yun nichts anderes als eine «propagandistische Mogelpackung» für Falun Gong. Und zwar, ohne dass dies ausreichend deklariert wird. So die Kritik dieser Redaktion nach den Shen-Yun-Gastspielen von 2019 in Zürich; sie stimmte darin mit internationalen Medien wie dem «New Yorker» überein.“

Und weiter: „Als Shen Yun im Januar 2024 in Lausanne gastierte, meldeten sich mehrere Zuschauer, die sich über den «militanten» Charakter der Aufführungen beschwerten. Damals – wie auch bei einem Gastspiel im Jahr davor – hätten Zuschauerinnen und Zuschauer die Vorstellungen im Théâtre de Beaulieu in Lausanne verlassen, weil die Tanzshow – gemäss der gedruckten Ausgabe von «20 minutes» – in ein «Parfüm der Propaganda» getaucht war.“

Plötzlich nach London? Ortswechsel für Ausbildung und Karriere sind für Darstellende keine Seltenheit. Wir begleiten Corinne Soland beim Abenteuer eines Ortswechsels mit Hoffnungen, Freuden und Überraschungen.
Von Corinne Soland

Eins: Die Bewerbung

Ende Juli 2024, vor knapp 5 Monaten, betrat ich ein massives Gebäude an der Gower Street 62-64 in London. Ich wurde gebeten mit dem Lift in den 5. Stock zu fahren. Dort traf ich auf weitere Schauspielende und Theatermenschen, die bereits aufgeregt auf ihren Stühlen sassen, alle im Kreis, nervös lächelnd.

Aufzug in eine neue Welt.

Nachdem ich meinen Rucksack hin- und meine Sachen abgelegt hatte, blickte ich mich im Raum um. Dabei kreuzte mein Blick den eines Mannes, ca. 45-jährig, Stoppelbart, Mütze und lässiges Hängen im Stuhl. Wir sagten nichts, nickten uns stumm über den Raum zu. Die jungen Menschen neben mir begannen ein zögerliches Gespräch, in das ich involviert wurde. Es ging um die bisherigen individuellen Ausbildungen, ihre vorbereiteten Texte und die möglichen heutigen Aufgaben.

Ent-Spannung

Wir taten noch eine ganze Weile so, als ob wir alle sehr entspannt wären und locker-flockig Spässe machen konnten. Bis der Mann mit Stoppelbart und Mütze die Anspannung durchbrach und in unsere Mitte warf, wie unangenehm sich das alles gerade für ihn anfühlte. Erleichterung breitete sich aus. Menschen atmeten aus. In mir drin legte sich etwas, ich lächelte, und meine Finger legten sich beruhigt auf meine Oberschenkel ab.

Wieder wechselten der Mann mit der Mütze und ich einen Blick, ich schickte ihm ein gemimtes “Thank you” . In den nächsten Minuten tauschten Menschen Plätze , relativ ungezwungen. So kam es, dass der Mann sich neben mich setzte. Wir wechselten ein paar Worte – woher kommst du (Er: London, Ich: Zürich), wie heisst du (Er: Klaus*, Ich: Corinne), was tust du (Ich: Schauspiel und Künstlerische Forschung, er: Schauspiel und Theaterpädagogik) – als eine Frau den Raum betrat und uns Willkommen hiess. Nun also würde es beginnen. Nun also wurde es Ernst. Audition time.

Spiel und Wettkampf

Am Vormittag arbeiteten wir alle zusammen in einem Workshop, von 10-13 Uhr. In drei verschiedenen Übungsanlagen wurden wir durch Viewpoints geführt, erarbeiteten eine Komposition mit szenischen Elementen und Improvisation und trugen unsere modernen und klassischen Texte einzeln, aber von der Gruppe gestützt vor. Wir bewegten uns nonstop, abgesehen von 2 Trink- und Pinkelpausen. Dies alles angeleitet vom Studiengangsleiter und unter dem wachsamen Auge einer Dozentin, die fleissig mitschrieb.

Freude und Anspannung halten sich die Waage.

Am Nachmittag standen Einzelgespräche an: Welche Art von Theater begeistert dich? Wenn du ein Budget aufstellen könntest für eine Produktion, was und wie würdest du es produzieren? Wie würdest du ein Stück entwickeln und mit wem? Welche Themen interessieren dich und weshalb? Holy guacamole, das war intensiv … Ich wurde als letzte Person interviewt. Nachdem ich von den beiden Dozent:innen noch last-minute-must-see Theatertipps für den Abend erhalten und ihre Hand geschüttelt hatte, schwebte ich die vielen Treppenstufen aus dem 5. Stock wieder hinab und überliess meinen Körper dem Strom Menschen vor der Tür.

Alles neu

Ich war numb, aber high. Ich schwebte, weil ich so glücklich war und es gleichzeitig nicht fassen konnte, dass gerade passiert war, was passiert war. Ich hatte bei der Royal Academy of Dramatic Arts vorgesprochen, für einen Master in Schauspiel. The audacity!
Obwohl das Hotel nicht weit entfernt war, in dem ich ein Zimmer gebucht hatte, schwebte ich ein paar Mal um das RADA-Gebäude herum, immer wieder dieser Schriftzug, diese Namen der Abgänger:innen, diese Stadt …

Irgendwann setzte sich alles und ich stieg erneut in den 5. Stock, dieses Mal im Hotel in den Dachstock. In der brütenden Londoner Juli-Hitze legte ich mich hin und liess die Welt sich drehen. Jetzt beginnt ein neues Leben. Ich wusste, dass, auch wenn es nicht klappen würde, dieser Moment ein wegweisender war. Irgendetwas in mir drin veränderte sich. Die Bausteine in mir verschoben sich. Ich war neu. Das hier war neu.

Raum für Möglichkeiten

Ich habe in den darauffolgenden Wochen nach der Audition noch oft an diesen Moment gedacht. Ein Moment, in dem alles möglich ist. Ein Moment, in dem die Welt offen steht. Ich weiss, dass ihr das alle auch schon gespürt haben müsst. Oder immer wieder mal spürt. Dass es vielleicht der Grund ist, weshalb ihr immer wieder auf diese Bühne steht. Weil es sich einfach so verdammt richtig anfühlt.

Und es das ist, wofür ihr hier seid. Auch wenn ihr noch für ganz vieles anderes auch hier seid. Aber dafür eben auch – für diesen Moment, diesen Möglichkeitsraum, der sich auftut, wenn ihr vorgesprochen habt oder an dem Casting wart oder eure Bewerbung abgeschickt habt. Oder auch, wenn ihr die Zu- oder Absage bekommt. Freigesetzte Energie. Wohin auch immer sie als Nächstes möchte – aber sie darf jetzt.

Neustart

Erst mal ein Leben aus dem Koffer.

Im August kam die Zusage für den einjährigen Master-Lehrgang. Nebst den notwendigen organisatorischen Leistungen (Sprachtest, Visum, Finanzierung auftreiben, Wohnung finden in London und so weiter), purzeln mit der Entscheidung, diese Chance wahrzunehmen, viele bekannte und unbekannte Gefühle ins Herz und den Körper.

Einige dieser Emotionen fühlen sich an, wie ein Teil einer Heilung. Andere fühlen sich an wie dem grössten Feind die Hand schütteln. Alles ist vorhanden und wenn ich mit Menschen darüber spreche, beschreibe ich es vor allem als “It’s a fine line between anxiety and excitement” (Zitat ist von irgendeinem Psychologie-Account auf Instagram). Und nebst den Gedankenreisen, Luftschlössern und Trauerzügen, die sich in mir abspielen ist da immer wieder pulsierend in meinem Hinterkopf: “what a privilege, what a privilege, what a privilege…”.

Challenge accepted

Ich studiere im kommenden Jahr also 12 Monate lang an der Royal Academy of Dramatic Arts in London. Aufbruch in eine neue Welt. Challenge accepted. Anfang Januar beginnt die Reise: Ihr erfährt von den Ups und Downs, den Mentor:innen, den Allies, den Projekten, die wir umsetzen, den bereichernden Momenten und Begegnungen, den harten Tagen und der Geldsuche für das Studium, dem Elixier, das ich mitnehme und den Lessons learned.

Am meisten jedoch werde ich von dem erzählen, wofür ich da bin: der Ausbildung. Von Commedia dell’ Arte über Clowning zu Shakespeare in Bwitish Inglish: der Austausch über unser Handwerk, unsere Kreativität und unsere Umsetzungen der Geschichten, die erzählt werden möchten, liegt mir am Herzen. Sollten bei euch Fragen oder Kommentare dazu auftauchen, meldet euch gerne beim Ensemble Magazin oder via @solacor_ auf Instagram.

PS: Auch Klaus wurde aufgenommen – ich bin mir sicher, der Londoner und seine Familie mit den zwei Töchtern sind begeistert. Let’s see, was wir alles kreieren zusammen!
* Name anonymisiert

Über 64 000 Menschen folgen SRF Kultur auf Facebook, beinahe 48 000 auf Instagram. Jetzt beendet die Kultursparte des SRF die Präsenz auf beiden Plattformen.

Folgender Text war heute Morgen auf der Facebookseite SRF Kultur zu lesen:

Liebe Kulturfreunde, unsere Social-Media-Zeit neigt sich dem Ende zu: Nach 14 Jahren Facebook verabschieden wir uns am 20. Dezember von diesem Account. Aber keine Angst, the show will go on! Unsere Themen findet ihr weiterhin im SRF-Universum. ✨

Die Social-Media-Verantwortlichen nennen keinen Grund für das Ende der Seite, es ist aber anzunehmen, dass es sich um eine Auswirkung der Sparmassnahmen in Kulturressort von SRF handelt. Bereits vor zwei Wochen wurde bekannt, dass verschiedene Kulturformate des Senders eingestampft oder redimensioniert werden. (Ensemble berichtete)

Wieso die Verantwortlichen auf eine Reichweite dieser Grössenordnung verzichten, ist für Medienfachleute nicht nachzuvollziehen. «Es ist verschenktes Geld. Wenn man so viele Leute über Social Media erreichen und auf die eigenen Inhalte hinweisen kann, bringt das Zuschauer*innen“, meint Reda El Arbi, Redaktor ENSEMBLE und Experte für Online-Kommunikation am Institut für Journalismus und Kommunikation MAZ. „Der Aufwand und die Kosten sind überschaubar, der Mehrwert enorm. Will man das Gleiche auf andere Weise erreichen, muss man viel mehr Geld in die Hand nehmen.“

Ob SRF weitere Social-Media-Kanäle schliesst, oder ob die Massnahme nur den Kulturbereich betrifft, war heute nicht zu erfahren. Es ist zu erwarten, dass die Sparaktionen noch andere Kanäle treffen.

Gratisarbeit – Wie viel investiert man in eine Produktion? Wann fängt Ausbeutung an? Ersetzt der Erfolg die Bezahlung? Unsere Kolumnistin stellt sich Fragen zu prekärer Arbeit.
Von Stefanie Gygax

Als Künstler*innen sind wir es gewohnt, gratis zu üben, zu studieren und uns auf eigene Kosten weiterzubilden. Aber wie ist es, wenn wir für ein Projekt engagiert werden und plötzlich viel mehr Probeaufwand oder Vorbereitungszeit erforderlich ist, weil wir plötzlich am kreativen Prozess mitarbeiten?

Einerseits ist es wunderbar, interessant und bereichernd, aber andererseits sitze ich stundenlang zu Hause am Laptop und investiere in Zeit und Arbeit. Stell dir vor, du hast dir gewünscht, bei einem Projekt dabei zu sein, hast es visualisiert und nun bist du mittendrin. Von Anfang an wird klargestellt, dass nur die Aufführungen bezahlt sind. Nach und nach wirst du aber in die Entwicklung einbezogen und es wird dir mehr und mehr an kreativer Verantwortung übergeben.

Wir alle kennen diese Momente, inmitten der Probezeit wird spontan und keineswegs mit böser Absicht, gefragt: „Könntest du da bitte noch ein paar Tanzschritte einbauen? Kannst du kurz mit der Gruppe die Schritte durchgehen? Kannst du bitte noch das und das zusätzlich singen? Ah, es gibt doch noch Text dazu!“

Grenzen setzen?

Die Grenzen verschwimmen. Wenn du für die Proben bezahlt wirst, ist meist nicht festgelegt, was dies alles umfasst. Das kann in (unbewusster) Ausbeutung enden. Diejenigen, die mitspielen, sind gern gesehen, die Anderen, die sich richtigerweise wehren und sagen, „das ist nicht meine Aufgabe“, werden als illoyal gebrandmarkt.

Wie macht ihr es aber, wenn die Vorbereitungs- und Probezeit nicht bezahlt ist und nur die Aufführung zählt?
Wo setzt ihr da die Grenze?

Klarer Fall, wie: „Es muss vergütet werden oder ihr steigt aus?“
Oder: „Ein Wunsch hat sich realisiert, also muss ich alle Zeit der Welt investieren?“

Was ich in den letzten Jahren wirklich verstanden habe: Egal wie gross ein Projekt ist, egal an welchem Ort, egal wie erfolgreich… das Geld spielt IMMER eine Rolle! Egal ob als Star an der Metropolitan Opera New York oder in einer Kleinstproduktion: Das Geld ist immer knapp und es reicht nie für alle. Ich dachte, ich spinne, als ich die Werbung sah, in der die MET um Geldspenden bettelt. Aber es ist ja nicht nur das Budget alleine, es geht auch darum, wie das Geld innerhalb der Produktion verteilt wird.

Minimalismus oder Freude am Beruf?

Es gibt so viele Menschen auf dieser Welt, die ihre Arbeit nicht lieben, dafür werden sie für jede Stunde Arbeit bezahlt. Das wird nicht mal infrage gestellt. Dann gibt es andererseits Berufe, in denen einige viel Herzblut, Freizeit und Gratisarbeit einbringen, während andere nur das absolute Minimum leisten. Und das beim gleichen Verdienst.

Liegt die Entscheidung also bei jedem Einzelnen? Bin ich beliebter, wenn ich mehr Gratisarbeit investiere? Davon bin ich zu 100% überzeugt, da es auch mehr Verbindung und Vertrauen schafft in alle Richtungen! Trotzdem finde ich, man muss es irgendwo eine Grenze geben.
Wenn bei mir das Grummeln in der Magengegend immer stärker wird, merke ich, dass ich das Gespräch suchen muss und meistens kann dann die Harmonie wieder hergestellt werden.

Gleichgewicht

Damit ich glücklich bin und meinen Job auch gut machen kann, muss Aufwand und Ertrag einigermassen im Gleichgewicht sein. Auch wenn das Glücksgefühl bei einer erfolgreichen Produktion nicht in Geld aufgewogen werden kann. Letzten Monat arbeitete ich an einem Halloween-Projekt mit, das im Vorfeld sehr anstrengend und kompliziert war.  Die Shows waren dafür sowas von genial, dass alles Andere danach nicht mehr zählte.

Habt ihr auch schon solche Produktionen erlebt?
Wie oft habe ich mir schon gedacht, dass in unserem Beruf viel zu wenig für all die Energie und Zeit bezahlt wird, die wir investieren. Ich bin oft mit meinen Kräften am Limit und komme trotzdem jeden Monat gerade mal über die Runden. Eine Freundin von mir ist Anwältin und arbeitet auch am Wochenende „gratis“, am Rande der ihrer Kräfte, kann sie aber dafür fette Ferien leisten und eine Wohnung kaufen.

Ja, wir lieben unseren Beruf und nur die hartgesottenen überleben darin, aber trotzdem dürfen wir uns diese Fragen stellen und einander Mut machen, für unsere Rechte einzustehen.

Weg von Kultur-Marketing und PR hin zu relevanten Inhalten – das Theater Gessnerallee beschreitet mit eigener Zeitung neue Wege, um Publikum und Öffentlichkeit zu erreichen.

Unter dem so prägnanten wie einfachen Namen «Zeitung» gibt die Gessnerallee seit September ein Magazin heraus, das Aspekte und Inhalte rund um das Theaterhaus journalistisch aufbereitet und Leser*innen wie Besucher*innen einen Mehrwert zum Theaterschaffen in der Limmatstadt bietet.

Miriam Walther und Kathrin Veser, die Co-Intendantinnen, setzen auf neue Wege in der Kommunikation. Plakate und Inserate kosten viel Geld und verursachen hohe Streuverluste. Neu sollen eine eigene Zeitung und ein regelmässig erscheinender elektronischer «Wochenbrief» als wichtigste Kommunikationskanäle dienen.

Hochkarätige Fachfrau

Rahel Bains ist die Kommunikationschefin des Theaters. Die Journalistin und Publizistin bringt beeindruckende Erfahrung mit: Als Redaktionsleiterin bei Tsüri.ch und Redaktorin und Blattmacherin beim Tages-Anzeiger sammelte Bains nicht nur fachliches Knowhow, sondern kennt auch Stadt und Kulturrealität in- und auswendig. Dass sie diese Position besetzt, ist kein Zufall: «Wir haben keine Sekunde überlegt, ob wir eine klassische Kommunikationsfrau wollen», sagt Co-Leiterin Miriam Walther gegenüber persoenlich.com. «Wir wollten eine Journalistin.»

Jammernde NZZ am Sonntag

Dass die neue «Zeitung» ihren Job richtig macht, zeigt ein Jammerbeitrag in der NZZ am Sonntag. In einem Kommentar beklagt die Alte Tante «die Zweckentfremdung von Theatersubventionen» und sieht die neue Kleinstpublikation als «unlautere Konkurrenz». Die Ironie, dass sie damit eigentlich das Kommunikationskonzept der Gessnerallee bestätigt, scheint ihnen nicht aufzufallen. Aber wir würden wetten, dass eine Pressemitteilung des Theaters niemals die gleiche breite Öffentlichkeit erreicht hätte.

Mehr davon

Im Angesicht der im Sparwahn zusammengestrichenen Kulturressorts in den Medien wünscht man sich, mehr Kulturinstitutionen würden diesen Weg wählen, um Interessierte zu erreichen. Vielleicht ist die «Zeitung» ja ein Anfang, und andere Häuser sehen sich bereit, sich an den Kosten und der Gestaltung eines Mediums zu beteiligen, das sich (nicht nur) mit den Darstellenden Künsten befasst. Wir werden sehen.

Der Züritipp von Tamedia ist demnächst Geschichte. Unsere Kolleg*innen von tsri.ch wollen in die Bresche springen und den Tsüritipp lancieren.

Die Wochenbeilage Züritipp ist eine mediale, kulturelle Institution und sie verschwindet jetzt leider nach 46 Jahren, weil sie nicht genug Profit abwirft. Als Tamedia, die Herausgeberin, die Einstellung bekannt machte, war der Aufschrei bei Kulturschaffenden und Publikum gross. Es gab einige Ideen, wie man das Magazin retten könnte, sollte, wollte.

Jetzt haben die Herausgeber*innen der Zürcher Plattform tsri.ch die Initiative ergriffen und planen einen (vorerst) digitalen Newsletter namens „Tsüritipp“.

Hier im O-Ton:

„Wir bedauern die Einstellung des Züritipps, die Mitte September kommuniziert wurde, sehr und danken allen Züritipp-Journalist:innen für ihre wichtige Arbeit. Der Züritipp wird in Zürich fehlen und kann nicht vollwertig ersetzt werden.

Wir wollen im Rahmen unserer Möglichkeiten zu einer vielfältigen Kulturberichterstattung beitragen. Unser Angebot ist eine bewusste Antwort auf den seit Langem stattfindenden Abbau im Kulturjournalismus.

Ganz nach dem Motto: Andere bauen ab, wir bauen auf!“

Viele eingefleischte Zürtipp-Fans werden jetzt die Nase rümpfen. Digital? Das ist doch nicht das Gleiche. Stimmt schon. Aber das Beste ist der Feind des Bestmöglichen. Die Leute von tsri.ch haben das professionelle Knowhow, den kulturellen Bezug und die Begeisterung, um einen digitalen Kulturjournalismus für die Region Zürich zu liefern. Engagierter Kulturjournalismus verschwindet langsam aus den Medien, wird immer mehr von People-Inhalten verdrängt, bei denen es mehr um die neueste Beziehung irgendwelcher Reality-TV-Sternchen geht als um das kulturelle Angebot gleich vor der Haustür. Die grossen Medienhäuser rechnen mit Klicks, nicht mit Kultur.

Dazu die tsri-Redaktion:

„Unser Angebot ist eine bewusste Antwort auf den seit länger stattfindenden Abbau im Kulturjournalismus. Wir können den Züritipp natürlich nicht vollwertig ersetzen, aber wir können unser Bestes tun. Denn wir alle profitieren vom kulturellen Leben unserer Stadt.“

Und viele kulturaffine Menschen würden es begrüssen, wenn Berichterstattung zu Theater, bildender Kunst, Kino und Musik  sie auf ihrem Handy erreicht, ohne dass sie für jede einzelne Sparte eine eigene App installieren oder auf ein spezialisiertes Portal zugreifen müssten.

Unterstützung benötigt!

Die tsri-Herausgeber*innen können das neue Angebot nicht einfach aus der eigenen Tasche finanzieren, da sie als Medien-Startup nicht die Reserven besitzen und auch grundsätzlich mehr an Journalismus als an Geld interessiert sind. Deshalb haben sie ein Crowdfunding gestartet, um die ersten 40 000 Franken zu sammeln, die für eine Kulturredaktion benötigt werden. Selbst mit diesem geringen Betrag ist es möglich, Personen zu beschäftigen, die das Zürcher Kulturleben abbilden. Es fallen ja keine Druckkosten an und die redaktionelle Infrastruktur besteht bereits. Wir von SzeneSchweiz begrüssen die Initiative, die tsüri.ch mit ihrem Engagement zeigt und freuen uns auf das Projekt, das hoffentlich zustande kommt.

Hier kann man tsri.ch unterstützen und mehr Infos zum geplanten Zürcher Kulturbriefing erhalten.

Beim diesjährigen SzeneSchweiz-Apéro am ZFF gings um die Zukunft des Schweizer Films – und die Gäste kamen zu spannenden Einsichten.

Es war wieder so weit – der jährliche Branchen-Apéro anlässlich des ZFF versammelte am letzten Samstag die Mitglieder von SzeneSchweiz und SSFV. SzeneSchweiz-Präsident Matthias Albold legte den Finger gleich zu Beginn auf einen wunden Punkt: Warum wird der Schweizer Film in der Schweizer Presse so stiefmütterlich behandelt? Er zitierte aus einem NZZ-Artikel zum Filmfestival Locarno: „Es gibt fünfzig Schweizer Produktionen, aber nur ganz wenige hinterlassen Eindruck.“

Podiumsgast Christian Johannes Koch, seineS Zeichens Drehbuchautor und Regisseur (Neumatt, Spagat), teilte seine Perspektive von hinter der Kamera, während Schauspielerin Wendy Güntensperger  (Wapo Bodensee, ARD) auf die finanziellen und karrieretechnischen Herausforderungen von Schauspieler*innen – selbst solche mit festem Engagement in einer erfolgreichen TV-Serie – aufmerksam machte.

Am Ende kamen alle zum Schluss, dass es wie immer am Geld liege. Und damit zum Dilemma der Förderung: Die Gelder werden gekürzt oder sicher nicht erhöht, es gibt immer mehr Projekte, was am Ende dazu führt, dass keiner der geförderten Filme ausreichend finanziert ist. Darunter leiden in erster Linie die Darsteller*innen, die für prekäre Löhne arbeiten, aber effektiv keinen Einfluss auf die Projekte oder deren Finanzierung haben.

Mehr Geld für weniger Filme?

Die angedachten Lösungen sind kontrovers: Sollen öffentliche Förderstellen bei den unterstützten Projekten die empfohlenen Mindestgagen durchsetzen? Das würde automatisch zu weniger umgesetzten Filmen führen. Die kleineren Projekte, die sich diese Kosten nicht leisten könnten, würden herausfallen. Christian Johannes Koch sieht das nicht nur negativ. Damit würde der Wettbewerb gestärkt und die wirklich starken Produktionen kämen in Genuss einer Finanzierung, die auch den Darsteller*innen anständige Löhne garantieren könnten. Das stellt die Darsteller*innen vor eine schwierige Frage: Weniger, dafür besser bezahlte Jobs, oder mehr Möglichkeiten, dafür mit prekärer Bezahlung? Oder liegt das Problem vielleicht auch bei der Verteilung der Gelder innerhalb der einzelnen Projekte? Stehen die Darsteller*innen einfach immer am Ende der Schlange?

Die Krux mit der Förderung

Ein anderes Problem zeigt sich bei der Verteilung der Fördergelder: Die Schweizer Fördergremien gewichten schon seit Jahrzehnten nicht nach Erfolg und grosser Reichweite, sondern nach kulturellem Wert. So werden viele Filmprojekte gefördert, die auf lokaler Ebene kulturell wertvoll sind, aber keine Chance haben, das Schweizer Filmschaffen auf einem internationalen Markt wettbewerbsfähig zu machen.

Dass es auch anders geht, zeigen die nordischen Länder, die mit ihren Produktionen weltweit gesehen und auch gestreamt werden. Und da wünscht sich Koch auch mehr Mut von Schweizer Filmemacher*innen: «Denkt grösser.»

Netzwerken und apérölen

Nach rund neunzig Minuten Podium genossen die zahlreich erschienenen Darsteller*innen dann noch kleine Snacks, Weisswein und das eine oder andere Bier, während nebenan auf dem Sechseläutenplatz die ZFF-Gäste mit Kaviar,  Cüpli und VIP-Karosse verwöhnt wurden. Aber träumen wir nicht alle davon?

Hollywood-Stars bekommen Millionen für ihre Darstellung, auf einer kleinen Bühne deckt die Gage trotz gleich hohem Einsatz kaum den Aufwand. Ist es das wert? Unsere Kolumnistin Stefanie Gygax macht sich Gedanken über Geld.

Von Stefanie Gygax

Aufwand und Ertrag für eine Karriere auf der Bühne rechnet sich nicht wirklich. Alleine die Zeit und Arbeit, die wir neben dem bezahlten Engagement aufwenden, ist unglaublich. Und dann der eigentliche Job: Wie kann ich ein halbes Jahr studieren, üben und auswendig lernen in einer Gage zusammenfassen?

Es werden irgendwelche Pauschalen festgelegt, an denen sich dann alle orientieren sollten. Aber im echten Leben sind es dann doch immer die Künstler*innen, die sich mit weniger zufriedengeben müssen. Warum?

Und überhaupt: Wer misst den Wert? Profi ist nicht gleich Profi. Nur weil jemand eine berühmte künstlerische Ausbildung absolvierte, garantiert das noch lange keine Topleistung.  Genau sowenig muss ein Neuling schlechter sein. Und doch legen wir so unseren Wert fest.

Letzten Monat habe ich ein Konzert veranstaltet und Menschen aus verschiedenen Arbeitsbereichen engagiert. Dabei waren Event-Planer, Lichtdesigner, Video-Engineer und ein Catering für die Champagner-Bar. Unterschiedlicher hätten die Berufsgruppen und ihre Lohnvorstellungen nicht sein können.

Die Sache ist eskaliert, weil eine der angeheuerten Personen (natürlich die mit dem grössten Kostenfaktor), die geringste und qualitativ fragwürdigste Arbeit ablieferte. Bisher habe ich solche Dinge einfach immer hingenommen. Ich dachte, ich habe keine Wahl. Doch nicht dieses Mal. Ich habe angefangen, über Preis und Leistung zu diskutieren. Ich habe auf die Mängel hingewiesen und mich um Klärung bemüht. Nichts. Das Tragische daran war, dass es ihn nicht gross kümmerte, weil er seiner Meinung nach für das vereinbarte Budget den Job gut genug erledigt wurde.

Für uns als Bühnendarsteller würde das wohl bedeuten, dass wir für weniger Geld weniger üben, uns auf der Bühne weniger Mühe geben. Volle Leistung gäb’s dann nur bei Top-Bezahlung – eine Art Premium-Performance, während andere nur das Basic-Paket erhalten: lustlose Bühnenpräsenz. Wenn dann ein Arbeitgeber mit der Leistung nicht zufrieden ist, würden wir es mit dem Preis-Leistungs-Verhältnis begründen.

Natürlich machen wir das nicht, wir würden unseren Ruf ruinieren und unsere Karriere schädigen. Nicht so in anderen Berufszweigen. Es scheint vielen Menschen egal zu sein, welche Arbeit sie liefern. Man arbeitet schliesslich, um Geld zu verdienen.

Ist das so?

Man wird sicher nicht Darsteller*in oder Interpret*in, um reich zu werden. Man erfüllt sich einen Traum. Das bedeutet aber nicht, dass man einfach dankbar sein muss, wenn man überhaupt etwas verdient. Das Klischee vom hungernden Künstler hat schon lange ausgedient.

Also: Wie würdest du deine Gage festlegen, wenn es keine Richtlinien gäbe? Würdest du dir weniger bezahlen, nur weil du die gleiche Arbeit in einem kleineren Theater machst?

Die Frage: „Ist es das alles wert?“ müssen wir also wahrscheinlich auch auf unsere Kappe nehmen und anfangen, gemeinsam den Massstab neu zu setzen.

Talent, Fleiss und Leidenschaft reichen in der Schweiz nicht immer, um als Darsteller*in erfolgreich zu sein – oft kostet es auch Geld. Für Chancen, Sichtbarkeit und Vernetzung. Corinne Solands Gedanken zum Thema.

Von Corinne Soland

Im Zusammenhang mit einem Projekt bin ich über das Prinzip Pay-to-play gestolpert.  Doch was ist Pay-to-play? Diejenigen unter euch, die Handy-Games spielen, kennen das: Man kann bis auf ein bestimmtes Level kostenlos spielen, kommt dann aber nur weiter, wenn man in der App ein Upgrade bezahlt. Diesem Mechanismus begegnet man als Darsteller*in auch in der eigenen Karriere.

Bezahlen, um auf die Bühne zu kommen

Oftmals ist es so, dass sich Künstler*innen und/oder deren Kompanien bei Gastspielstätten einmieten müssen, um auf deren Bühnen zu spielen. Ein erarbeitetes Stück mehrmals spielen zu können, ist demnach davon abhängig, ob die Künstler*innen genügend Vereinskapital haben oder finanzielle Unterstützung dafür erhalten. Meist sind die Voraussetzungen, Tournee-Förderung zu beantragen, jedoch stark eingrenzend und schliessen diverse Kunstsparten oder Kunstschaffende aus (beispielsweise müssen meistens mindestens 3 Vorstellungen schon gespielt worden sein, teilweise gelten diese Vorstellungen auch nur, wenn sie an renommierten Häusern gespielt wurden etc.).

Künstler*innen müssen es sich also leisten können, auf Tournee zu gehen. Das bedeutet im tragischsten Falle, dass 4-6 Wochen geprobt und ein Stück erarbeitet wird, um 2 Vorstellungen davon vor Publikum zu spielen und das Material und Aufwand auf Nimmerwiedersehen in einer metaphorischen Kartonbox zu verstauen. Hier im wörtlichen Sinne: Ohne Kohle keine Bühne – Pay-to-play.

Bezahlen für die eigene Sichtbarkeit

Wer wird gecastet? Darsteller*innen, die man sieht. Und diese Sichtbarkeit ist nicht kostenlos. Es braucht Aufwand und Geld, um in der Branche wahrgenommen zu werden – über Mitgliedschaften bei Online-Plattformen oder eine zeitintensive und natürlich unbezahlte Social Media-Präsenz.  Weiterbildungen bieten Möglichkeiten zur Vernetzung, bedeuten aber einen zusätzlichen Griff ins Portemonnaie.

Dadurch, dass Erfahrung am Set nur bedingt sammelbar ist, werden Workshops und Intensiv-Weiterbildungen attraktiver, oftmals auch, weil sie Demoreel-Material als Resultat versprechen. Auch hier: nur gegen Bares.  Menschen, die sich diese Kurse und Demoreels leisten können, werden sichtbar, während andere Spielende unsichtbar bleiben. 

Wie geht es euch damit? Habt ihr weitere Beispiele? Findet ihr meine Gedanken übertrieben? Mich würde interessieren, wie ihr das erlebt.

Corinne Soland schreibt im ENSEMBLE zum Leben in einer als Darsteller*in im 21. Jahrhundert. Corinne spielt “Anna” in Neumatt, “Isabelle” in Monsieur Claude und seine Töchter (Bernhard Theater), “Emma” im VR Game Amazing Monster! und spricht als “Jimmy” und “Dimitri” im Guetnachtgschichtli. Corinne lebt in Basel und unterrichtet Motion Capture Schauspiel an interessierte Spielende.

Widerstand zeigt Erfolg! Dreissig Ständerät*innen sind nicht bereit, das Budget 2025 bis 2028 der Kulturstiftung Pro Helvetia um 6.5 Millionen zu kürzen. 

Im Gegensatz zum Nationalrat hat sich die Mehrheit des Ständerats gegen eine Kürzung um 6,5 Millionen für die Auslandsaktivitäten von Pro Helvetia ausgesprochen. Damit folgte die kleine Kammer der Mehrheit seiner vorberatenden Kommission für Wissenschaft, Bildung und Kultur, die an den ursprünglich vom Bundesrat vorgeschlagenen Mitteln festhalten will. Das Geschäft geht damit zurück an den Nationalrat, der den Kürzungen unter Druck der bürgerlichen Parteien und der Finanzkommission bereits zugestimmt hatte.

Kulturorganisationen, unter dem Banner Taskforce Culture zusammengeschlossen, haben sich vehement gegen die Kürzungsabsichten des Nationalrats engagiert und mit dem Entscheid des Ständerats einen ersten Erfolg erzielt. Die Taskforce Culture sieht das kulturelle Engagement im Ausland und die Lebensgrundlage vieler Kulturschaffenden im internationalen Austausch gefährdet:

„Kulturschaffende sind auf die Promotion im Ausland und die Unterstützung ihrer internationalen Arbeit angewiesen. Die Auslandsaktivitäten von Pro Helvetia sind eine notwendige Grundlage dafür und schaffen die Netzwerke vor Ort, von denen die Künstlerinnen und Künstler aus der Schweiz profitieren können. Die Zahl der künstlerischen Projekte, die Pro Helvetia mit ihren Mitteln unterstützen kann, ist aber aufgrund bereits erfolgter Kürzungen bereits seit Jahren rückläufig.“

Mit der Ablehnung im Ständerat ist der Angriff auf das Pro Helvetia-Budget aber noch nicht erledigt. Im Nationalrat wird das Geschäft nochmals beurteilt und es sind wieder Kürzungsvorschläge zu erwarten. Der Spardruck im Bundesbudget trifft meist die Schwächsten: Bildung, Kultur und Soziales. Um da Gegensteuer zu geben, braucht es Kulturverbände und Lobbys.

Und jede*r kann einen Beitrag leisten.

Die Taskforce Culture, ein Zusammenschluss verschiedener Schweizer Kulturverbände und -organisationen, zeigt sich tief besorgt über den Entscheid des Nationalrats, im Budget von Pro Helvetia 6.5 Millionen zu streichen. Die Taskforce Culture erwartet, dass der Ständerat Vernunft walten lässt und dem Antrag des Bundesrates zum Durchbruch verhilft.

Version française ci-dessous

Die Taskforce Culture hat die Debatte zur Kulturbotschaft 2025–2028 aufmerksam verfolgt. Nachdem der Bundesrat endlich erkannt hat, dass es notwendig ist, die Prekarität im Kulturbereich anzugehen und auch für Kulturschaffende soziale Sicherheit zu erreichen, gab es auch in der heutigen Debatte viele erfreuliche Bekenntnisse zur Kultur. NR Estelle Revaz zeigte auf, dass Kultur von allen gerne konsumiert wird, aber am liebsten eben gratis.

Was mit den Kulturschaffenden passiert, so NR Revaz, soll lieber hinter den Kulissen bleiben. Allerdings konnte sich der Nationalrat auch nicht zu minimalen Erhöhungen des Budgets durchringen. Es war viel von der Prekarität des Staates die Rede und das Prekariat der Kulturschaffenden war auf einmal nicht mehr wichtig.

Stattdessen beschloss der Nationalrat in einem völlig unverständlichen Winkelzug den Zahlungsrahmen von Pro Helvetia in den Jahren 2025–2028 um 6 500 000 CHF zu kürzen und stellt sich damit gegen die vorbereitende Kommission, den Ständerat und den Bundesrat. Der Entscheid ist umso weniger nachvollziehbar, als dass er vor allem die Kulturschaffenden empfindlich trifft.

Kulturschaffende sind auf die Promotion im Ausland und die Unterstützung ihrer internationalen Arbeit angewiesen. Die Auslandsaktivitäten von Pro Helvetia sind eine notwendige Grundlage dafür und schaffen die Netzwerke vor Ort, von denen die Künstlerinnen und Künstler aus der Schweiz profitieren können. Die Zahl der künstlerischen Projekte, die Pro Helvetia mit ihren Mitteln unterstützen kann, ist aber aufgrund bereits erfolgter Kürzungen bereits seit Jahren rückläufig.

Dazu kommt, dass der Nationalrat mit diesem Entscheid die Unabhängigkeit der Kulturstiftung Pro Helvetia infrage stellt, eine notwendige Voraussetzung für deren Handlungsfähigkeit. Bei ihren Entscheidungen muss Pro Helvetia unabhängig sein, ohne die Einmischung politischer Kräfte. Diese Einmischung gefährdet nicht nur die internationale Präsenz der Schweiz, sondern auch die Glaubwürdigkeit der Schweizer Institutionen.

Die Taskforce Culture fordert den Ständerat auf, bei seiner bisherigen Haltung zu bleiben. Nach Ansicht der Taskforce Culture ist der Entscheid des Nationalrates falsch und absolut unverständlich. Er setzt falsche Signale und gefährdet hochklassige kulturelle Tätigkeiten und Aktionen und bestraft die Kulturschaffenden!

Wir bitten den Ständerat, Verantwortung zu übernehmen und ein wichtiges Zeichen für eine starke und lebendige Schweizer Kultur zu setzen.

La Taskforce Culture, qui regroupe plusieurs associations et organisations culturelles suisses, est profondément préoccupée par la décision du Conseil national, qui vise à supprimer 6,5 millions de francs dans le budget de Pro Helvetia. La Taskforce Culture attend du Conseil des États qu’il fasse preuve de bon sens et aide la proposition du Conseil fédéral à passer la rampe.

La Taskforce Culture a suivi de près le débat sur le Message culture 2025-2028. Le Conseil fédéral ayant enfin reconnu la nécessité de s’attaquer à la précarité dans le domaine de la culture et de mettre en place une sécurité sociale également pour les créatrices et créateurs culturels, le débat d’aujourd’hui a aussi été marqué par de nombreuses déclarations réjouissantes en faveur de la culture. La Conseillère nationale Estelle Revaz a démontré que si tout un chacun aime consommer de la culture, c’est de préférence gratuitement.

Selon elle, ce qui se passe pour les actrices et acteurs culturels doit plutôt rester en coulisses. Cependant, le Conseil national n’a pas pu se décider à augmenter le budget, même de manière minime. On a beaucoup parlé de la précarité de l’État et tout à coup, la précarité réelle des actrices et acteurs culturels n’a pas pesé lourd dans le débat.

Au lieu de cela, le Conseil national a décidé, dans un tour de passe-passe totalement incompréhensible, de réduire le plafond de dépenses de Pro Helvetia de 6 500 000 CHF pour les années 2025-2028 ; en cela, il est en contradiction frontale avec la commission préparatoire, le Conseil des États et le Conseil fédéral. Cette décision est d’autant moins compréhensible qu’elle touche surtout les actrices et acteurs culturels.

Les personnes professionnelles de la culture dépendent de la promotion à l’étranger de leur travail et du soutien de ce dernier au plan international. Les activités de Pro Helvetia à l’étranger en sont une base nécessaire et créent des réseaux sur place dont les artistes de Suisse peuvent profiter. Cependant, depuis des années déjà, le nombre de projets artistiques que Pro Helvetia peut soutenir avec ses fonds est en baisse, en raison des coupes déjà effectuées.

À cela s’ajoute le fait que par sa décision, le Conseil national remet en question l’indépendance de la Fondation pour la culture Pro Helvetia, une condition dont la fondation a besoin pour maintenir sa capacité d’action. Pro Helvetia doit prendre ses décisions en toute indépendance, sans dépendre d’interférence des forces politiques. Cette ingérence met en péril non seulement la présence de la Suisse au plan international, mais aussi la crédibilité des institutions suisses.

La Taskforce Culture demande au Conseil des États de camper sur sa position actuelle. Selon la Taskforce Culture, la décision du Conseil national est erronée et tout à fait incompréhensible. Elle envoie un signal désastreux, met en péril des activités et des actions culturelles de haut niveau, et pénalise en premier lieu les actrices et acteurs culturels !

Nous demandons au Conseil des États de prendre ses responsabilités et de donner un signal important en faveur d’une culture suisse forte et vivante.